10 bài hát emo hay nhất mọi thời đại năm 2022

Điều tuyệt vời nhất của K-pop là sự đa dạng âm nhạc khiến tất cả mọi người đều có thể tìm được bài hát yêu thích cho dù có gu độc lạ đến mức nào đi chăng nữa! Hãy cùng BlogAnChoi xem qua danh sách về 10 bài hát K-pop hay đến nỗi khiến cả non-fan phát cuồng nhé!

NewJeans – “Hype Boy”

NewJeans đã có một màn ra mắt cực kỳ thành công với rất nhiều các kỷ lục bị phá vỡ. Với một ca khúc có giai điệu mượt mà, vui nhộn nhưng vẫn catchy và mới mẻ như “Hype Boy” thì điều đó thật dễ hiểu!

Đối với những người hâm mộ phong cách nhạc pop đầu những năm 2000 thì đây chắc chắn là một bản hit!

DAY6 – “Zombie”

Ca khúc được phát hành vào năm 2020 này là sự kết hợp của nhiều thể loại âm nhạc khác nhau, nổi bật nhất là rock-ballad và hiphop.

Với sự tham gia sáng tác của chính các thành viên trong nhóm, “Zombie” thể hiện cảm giác mất cân bằng trong cảm xúc một cách rất ấn tượng, có lẽ vì đây chính là cảm nhận thật sự của DAY6 khi nhóm phải tham gia điều trị tâm lý vào thời điểm đó.

Red Velvet – “Bad Boy”

Red Velvet đã thử nghiệm rất nhiều phong cách âm nhạc trong mỗi lần comeback, nhưng giai điệu R&B mượt mà của “Bad Boy” vẫn luôn được coi là một trong những ca khúc hay nhất của họ.

Phần beat gây nghiện tức thì và giai điệu thú vị – đủ độc đáo để cảm thấy đặc biệt mà không quá cuồng nhiệt đến mức đau đầu – khiến cả non-fan của nhóm cũng phải ngâm nga theo mỗi lần “Bad Boy” được bật.

iKON – “LOVE SCENARIO”

“LOVE SCENARIO” là siêu hit năm 2018 và chắc chắn là ca khúc thành công nhất trong sự nghiệp của boygroup nhà JYP. Lớp nền piano và đoạn điệp khúc có giai điệu gây nghiện thu hút đến mức bạn không thể đẩy nó ra khỏi đầu được. Cảm giác thú vị vừa nuối tiếc vừa thờ ơ mà các chàng trai iKON mang lại được rất nhiều người yêu thích, bất kể họ có phải fan K-pop hay không!

Choi Ye Na – “LxxK 2 U”

Cựu thành viên I*ZONE Choi Ye Na đã thực sự tạo được tiếng vang với ca khúc solo “Lxxk 2 U” trong album đầu tay.

Sự kết hợp vừa đủ giữa các âm thanh emo rock với phong cách K-pop đã tạo nên một ca khúc thú vị và giúp nữ ca sĩ thu hút được sự chú ý của kha khá “người qua đường”.

Stray Kids – “CHEESE”

“CHEESE” là bản nhạc K-pop khá được lòng các rapper nói riêng và các fan nghe nhạc nói chung bởi nhịp điệu khó đoán và flow rap ấn tượng. Stray Kids là một trong những nhóm nhạc được đánh giá là có khả năng rap hay nhất K-pop nên những người hâm mộ dòng nhạc sáng tạo với nhịp điệu “cực gắt” này sẽ bị thu hút ngay lập tức!

IVE – “LOVE DIVE”

Từ khi ra mắt đến giờ, IVE được xưng tụng là “mọi ca khúc đều là hit”, và “LOVE DIVE” cũng không phải là ngoại lệ!

Ca khúc electro-pop kết hợp với giọng hát ngọt ngào của các cô gái khiến “LOVE DIVE” gây nghiện và vẫn thú vị như khi lần đầu được nghe. Đây hẳn sẽ là một lựa chọn hoàn hảo cho những ai thích sự sôi động!

TXT – “Anti-Romantic”

TXT đã thể hiện được chất giọng ngọt ngào của mình qua ca khúc “Anti-Romantic”! Ca khúc này có giai điệu nhẹ nhàng tạo cảm giác cực kỳ thư giãn nhưng phần lời lại khá sắc sảo.

Các MOA (tên fanclub chính thức của TXT) hẳn sẽ không thể từ chối rung cảm mơ mộng mà ca khúc này mang lại!

BLACKPINK – “The Happiest Girl”

Các thành viên BLACKPINK thường được biết đến với các ca khúc nhạc dance sôi động chứ không phải những bản ballad da diết, nhưng “The Happiest Girl” đã chứng minh được rằng họ có thể làm tốt ở mọi lĩnh vực!

Ca khúc này xuất hiện trong album mới nhất của BLACKPINK và là một ca khúc tuyệt vời cho cả các fan K-pop lẫn các fan US-UK vì tất cả phần lời đều được hát bằng tiếng Anh. Giọng hát ngập tràn cảm xúc và giai điệu piano ngọt ngào khiến bài hát này còn được đánh giá cao hơn cả ca khúc chủ đề của album!

BTS – “Butter”

Khi nhắc đến các ca khúc K-pop hát bằng tiếng Anh, chắc chắn không ai có thể bỏ qua “Butter” của BTS! Siêu hit “Butter” được Billboard tôn vinh là “ca khúc mùa hè” vì sự tươi sáng, vui nhộn và cuốn hút đến độ việc ngồi yên mà không nhảy nhót theo giai điệu này là không thể!

Bạn có thể đọc thêm:

• 10 bài hát KPOP hay nhất để mở trong bữa tiệc Halloween của bạn
• YG lên tiếng sau thời gian dài im lặng trước tin đồn giữa Jennie (Blackpink) và V (BTS)
• Có thể bạn chưa biết: 6 idol Kpop này đã bị cha mẹ phản đối ước mơ trở thành ca sĩ

My Chemical Romance is touring again, Paramore and Jimmy Eat World are headlining a major festival this fall, and there’s a skinny, tattooed white dude with a guitar dominating the charts. In case you haven’t heard, emo is back, baby! In honor of its return to prominence—plus the 20th anniversary of the first MCR album—The Ringer is following Emo Wendy’s lead and tapping into that nostalgia. Welcome to Emo Week, where we’ll explore the scene’s roots, its evolution to the modern-day Fifth Wave, and some of the ephemera around the genre. Grab your Telecasters and Manic Panic and join us in the Black Parade.

As the saying goes, “Real emo only consists of the D.C. emotional hardcore and late ’90s screamo scene.” And that may be true about “real emo,” but real emo, well … that’s been an ongoing conversation for nearly 40 years. Perhaps the most fun and frustrating aspect of trying to develop any sort of coherent narrative of emo history is that the definition is almost entirely beholden to the fans rather than the people who actually make it. Nearly every artist on this list has performed emo in protest, preferring to think of themselves as punk, hardcore, post-hardcore, post-punk, folk, pop, indie rock, electronic, or hip-hop. All of which is a testament to the ineffable yet unmistakable quintessence of emo—an underlying yearning for catharsis that transcends sonic parameters to inform nearly every possible form of media.

A 38-song playlist (plus 38 alternates) can’t help but fall shy of being definitive or all-encompassing, and despite the luxuries that we’ve taken that enhance its inclusivity, artists can appear only once. Also, our modernist view of the genre’s sound and sentiment has grandfathered in artists that are more emo in their influence than their output. The inclusions on this list aren’t necessarily the best or most popular song from their respective year, though they often are one or both; there was no intention of including one for the dilettantes and one for the real heads, though that often turned out to be the end result. The ultimate determinant of “importance” came down to how much a song had to say about where the genre was at and also where it was going. Play this in order and a span of years can flow seamlessly, only to have a jarring transition occur seconds later; that’s just how it goes with a style of music in constant conversation with its past, each wave serving as a continuation or a course correction of what came before. Use this as a map for a deeper dive, or hell, throw it in the recycle bin and create an entirely new alternate history based on your specifications. After all, what’s more real emo than fiercely debating what that term really means. —IC

1985: “For Want Of,” Rites of Spring

Rites of Spring are widely credited as the originators of a pop culture movement powerful enough to merit a weeklong celebration here at The Ringer. “For Want Of” is their signature song and it’s 37 years old—it also has nearly 2.7 million streams on Spotify, about four times more than the band’s next-most streamed song and about 10 times more than just about everything else on their only album. Feel free to skip to our selections from the past three years, and you’ll see that they’re pulling about the same numbers. This doesn’t really do much to challenge the stereotype of Rites of Spring as something admired and revered and name-dropped more than it’s actually listened to in 2022. And true, it is a history lesson, in that the entire genre comes alive from the moment you push play. Guy Picciotto’s vocals are as raw and violent as any band from the Revolution Summer, but the aggression is crucially turned inward: “I woke up this morning with a piece of past caught in my throat / and then I choked,” “I bled in the arms of a girl I barely met”—nearly every line serving as exemplars for the next four decades of emo lyricism. Like most copypasta memes, there’s a hint of truth in “real emo consists only of the D.C. emotional hardcore scene …” If “For Want Of” is still seen as the platonic ideal of emo, it’s for the lingering belief that it never really got improved upon. —IC

Runner-up: “Words Come Back,” the Hated

1986: “Circles,” Dag Nasty

As with many bands in the first half-decade of emo, Dag Nasty was made up of Dischord and SSD affiliates—Brian Baker of Minor Threat, Dave Smalley of the straight-edge hardcore band DYS—who wanted an angrier, more emotional release after the fated Revolution Summer in 1985. A reaction to the skinhead punks who violently occupied the D.C. scene by the mid-’80s, the bands that formed during that fateful summer were fed up with regressive politics. Or, as Smalley screamed on “Circles”: “I can’t watch and not be heard / The days go by things get worse.” “Circles” was a bridge between the breakneck pace of hardcore and the bleeding heart that would become emo; it pairs lyrical desperation with booming vocals and melodic guitar solos. Produced by Ian MacKaye, Dag Nasty’s Can I Say declared that actually, it was kind of sick to sound good and play your instruments well. “I had all the rage of a hardcore singer,” Smalley said decades after the album’s release. “But by the way, I know how to sing.” —AG

Runner-up: “Burn No Bridges,” Gray Matter

1987: “Building,” Embrace

Though understandably memorialized as Ian MacKaye’s band between Minor Threat and Fugazi, Embrace warrants inclusion on this list if only for inspiring his most infamous piece of stage banter: “‘Emo-core’ must be the stupidest fucking thing I’ve ever heard in my entire life.” This was in response to a recent Thrasher article that found a common thread among the bands in D.C.’s hardcore scene turning more introspective. By the time they released their first and only album (see a theme here?), Embrace didn’t have to compete with the prevailing, perverted conception of the genre. Rather, MacKaye’s argument was that hardcore was already emotional to begin with. Fair enough, and maybe we’d be in a different place right now had “emo-core” been replaced by a term that could capture the type of feelings expressed by songs like “Building” rather than their mere existence. Emotional hardcore or just hardcore emotional? The argument persists to this day. —IC

Runner-up: “Pearl to Stone,” Soul Side

1988: “Previous,” Ignition

Drink—for Ian MacKaye’s sake, a shot of apple juice—every time Dischord or Washington, D.C., come up in a history of First-Wave emo, and you’ll be looking down the bottom of the bottle in no time. Case in point, Ignition was not only a D.C. Dischord band, but one that featured a MacKaye—Alec MacKaye, younger brother of Ian, who sang in the legendary hardcore bands Untouchables and the Faith before forming veritable D.C. supergroup Ignition with ex-Faith member Chris Bald, Dante Ferrando of Gray Matter, and Chris Thompson of Soulside.

Ignition have the dubious honor of playing what might be the “shortest set ever played by a D.C. band” (it ended before they finished their first song after Bald smashed his guitar in frustration), and their chaotic energy is on full display on “Previous.” MacKaye sing-screams on and off-beat, vacillating between deafening roars and mumbled phrases, as if he can’t even commit to singing into the mic. But catch a glimpse of his lyrics and his seething, self-aware wrath comes into view: “Why do I keep jumping into the fire/ When I know it always burns?” Self-immolation, self-doubt, self-hatred: To MacKaye, they’re one and the same. “Here I go again!” he screams; by the end, it’s hard to tell whether he’s excited or just exhausted. —AG

Runner-up: “Cake,” Fire Party

1989: “Margin Walker,” Fugazi

Given what he said about the genre as the frontman for Embrace, I imagine we might get an Ian MacKaye nastygram in our inbox on account of including him twice. And truthfully, Fugazi is perhaps the most important “are they or aren’t they?” argument for emo taxonomists—the framing of the next decade looks a lot different depending on your answer. But compared to the more political and cryptic lyricism that they’d favor going forward (even on songs literally titled “Do You Like Me?”), “Margin Walker” focuses on intimate, personal interaction in quintessential hyperbolic fashion: Someone is so beautiful, it makes you want to set yourself on fire or track them down like an assassin, because that’s far easier than expressing it in words. A compromise: Fugazi was definitely not emo after 1990, only possibly so when they made their second EP, Margin Walker,their first with Picciotto on both guitar and vocals, setting up the give-and-go vocal and jagged jigsaw instrumental interplay that emo would spend the next 30-plus years trying to own after Fugazi were done with it. —IC

Runner-up: “Swann Street,” 3

1990:“Tired of Waiting,” Samiam

There must be something in the water at 924 Gilman, the legendary Berkeley DIY venue, that catapulted its pop-leaning punk rockers into stardom: Green Day and the Offspring used the sweat-and-spray-paint-soaked venue as an unlikely springboard to platinum records and global recognition (famously, Gilman banned Billie Joe Armstrong from the venue after Green Day released their major-label debut, Dookie). Samiam never quite reached that level of success, but by the mid-1990s, they had released records on Atlantic and Ignition, no small feat for some punks from the East Bay.

But on their 1990 EP I Am, they were still trying to prove themselves; on “Tired of Waiting,” you can palpably feel their impatience: “You said that you would be here!” singer Jason Beebout cries out. “Tired of Waiting” might not be the song that landed Samiam on MTV, but it did lay the groundwork for emo to come: The slow, circuitous guitar intro sounds like Def Leppard on antidepressants; the gang vocals feel closer to an aggressive group hug than a battle cry; the absolutely desperate whine that Beebout lets out before the song’s last gasp. Part of emo’s differentiation from hardcore was its comfort with showing fragility; by the time the opening guitar riff comes back, slower, Samiam feels like it’s about to fully break down. —AG

Runner-up: “Cue to You,” Fuel

1991: “Caress,” Drive Like Jehu

Whether we’re talking emo or alt-country or grunge or college rock, most of the independent rock scenes in the last pre-internet decade were interpreted as sensible extensions of their geography: Of course that style of music would take shape in that city. So what to make of post-hardcore and screamo taking shape in sunny, sedate San Diego? Many of the talking heads in It’s Gonna Blow!!!try to make sense of it—is there an inverse effect where any sense of alienation or countercultural impulse is intensified by living in a place that calls itself America’s Finest City? It’s not entirely clear what Drive Like Jehu were so worked up about on their self-titled debut, which exists literally at the dead center of the It’s Gonna Blow!!! timeline. Though overshadowed by their major-label blowout Yank Crime (and currently not on streaming services), “Caress” is a document of a band with ill intentions and something less than full control of their powers, a makeshift nail bomb of a song. Sick Deftones cover, too. —IC

Runner-up: “Tools and Chrome,” Jawbox

1992: “Chesterfield King,” Jawbreaker

There has long been a debate about how to classify a band like Jawbreaker. Though they met in Southern California and recorded dozens of singles while attending college in New York, the band cut their teeth in the hallowed Bay Area punk scene. But by their second album, Bivouac, they had begun incorporating brighter vocal melodies and slower guitar progressions in place of their chugging riffs; were they perhaps one of the earliest “pop punk” bands? “Chesterfield King” certainly has hallmarks of the genre—a simple four-chord intro, a yelping frontman, a shout-along chorus.

The lyrics tell another story, one that feels too self-aware and sweet for the Jackass antics of Blink-182 and Co.: “I could smell your thoughts and thought / Do you want to touch, a lot like me?” frontman Blake Schwarzenbach sings. Jawbreaker is the reigning champion of love songs, and “Chesterfield King” is a prime example. Boy meets girl, boy misses his chance, boy complains to a toothless woman over a Chesterfield cigarette, boy drives all the way to girl and they kiss. There’s something so purely intimate about Jawbreaker’s narrative arcs, so uninterested with seeming cool or composed. By that metric, they’re undeniably emo. —AG

Runner-up: “1/4 Mile Thunder,” Engine Kid

1993: “Woolworm,” Indian Summer

Adam Nanaa was profoundly shaped by the sound and strident DIY ethics of Dischord Records but he did not share the label’s antagonism toward the concept of “emo-core.” He named one of his first bands after an Ignition single and described it as “Emotional revolution. Fucking pain.” Indian Summer took those concepts to an unprecedented extreme on “Woolworm,” which came for a bad time and a long time. Alternately titled “Angry Son,” “Sleeping,” a hieroglyph, or nothing at all, this seven-and-a-half-minute colossus towers over not just Indian Summer’s tiny discography but early ’90s emo in general—a couple of broke-as-fuck Oakland punks who saw as much of their struggle in thrift store Bessie Smith vinyls as they did Fugazi. It wasn’t the first word in parricidal rage—Indian Summer was named after a Doors song, after all—but “Woolworm” aspired to be the final one. —IC

Runner-up: “I’m Back Sleeping…,” Moss Icon

1994: “In Circles,” Sunny Day Real Estate

Sunny Day Real Estate is often considered the forefather of “Midwest emo”—a genre loosely defined by the chiming, arpeggiated riff lead guitarist Dan Hoerner plucks out on the verses of “In Circles”—but the band proudly hails from Seattle. How Seattle is Sunny Day Real Estate? Their 1994 debut full-length, Diary, was released by the city’s famed Sub Pop Records. How Seattle is Sunny Day Real Estate? By the end of the following year, two of the members—bassist Nate Mendel and drummer William Goldsmith—had joined the Foo Fighters. How Seattle? OK, in 2014, two decades after Diary’s release, Hoerner revived the Big Dipper, a 250-cap music venue in Spokane, Washington. They do private parties.

Needless to say, Seattle—and more specifically, grunge—permeated Sunny Day Real Estate’s first record. The searing two-chord riff that opens “In Circles” could be an obsessive-compulsive Alice in Chains, an anxious repetition of the same screeching notes until Mendel’s bass enters as a counterweight. Then, there’s Jeremy Enigk’s voice: a remarkably clear whimper barely sleepwalking through the verses—“Where words are not / Feeling remains,” a strikingly apt observation for a band that initially intended to be fully instrumental. But words are everything on the chorus, when Enigk breaks into a pitched scream. Just like the song’s core riff, he’s running (down) in circles. While the band influenced a generation of guitar-noodling emo, its members were—and still are—averse to the label. “​​I’m not sure what emo was then, or now,” Enigk told Spin in 2009. Self-identifying or not, the band moved the genre toward the melodic, emotional vulnerability that still defines it today. —AG

Á hậu: Bạn là loại quái vật nào? “What Kind of Monster Are You?,” Slant 6

1995: Liên minh nhỏ, Cap Cap Jazz Jazz

Theo kinh nghiệm của tôi, khi mọi người làm việc lạc hậu về việc khám phá làn sóng đầu tiên của Emo, rào cản lớn nhất là các giá trị sản xuất không có FI hoặc tiếng la hét hoặc sự tối nghĩa; Đây là những yếu tố nền tảng, từ thể loại ầm ầm của thể loại Mid-Hồi80 cho đến bất kỳ làn sóng thứ sáu nào đang hình thành trong các ruột của Bandcamp. Thay vào đó là người đàn ông, những ban nhạc này rất nghiêm túc. Tại thời điểm nào, EMO xoay vòng từ các hiệp hội với các đội bóng và thanh niên Cách mạng và thẳng vào tỉnh của những kẻ ngốc nghếch mắt? Tất cả bắt đầu ngay tại đây, nơi một nhóm thanh thiếu niên từ ngoại ô Chicagoland pha trộn Rimbaud, Acid, vừa đủ âm nhạc, và cách quá nhiều ngoại ô bị kìm nén ở vùng ngoại ô để tạo ra Bang Big Bang Big Bang. Ngay lập tức, Little Little League vẫn sẽ là điểm khởi đầu của thể loại Làn sóng tiếp theo ngay cả khi các nhánh của Cap Khănn Jazz đã thống trị năm năm tiếp theo của thể loại này. —C

Á hậu: Chú hề Rodeo, thời gian“Rodeo Clown,” Lifetime

1996: "Johnny tại chỗ," Texas Texas là lý do

Nó luôn luôn là một ý tưởng tốt để bắt đầu album đầu tay của bạn với một bản trống solo. Texas là lý do khiến ban nhạc Emo có trụ sở tại thành phố New York hiếm hoi ở thành phố New York, đã rất lâu cho thế giới này, nhưng trong hồ sơ số ít của họ, bạn có biết bạn là ai không ?, Họ đã thực hiện mỗi lần đếm thứ hai. Trẻ sức của Norman Brannon và Chris Daly, hai người sùng bái Krishna từ cảnh Hardcore, ban nhạc chỉ có bản demo ba bài hát cho tên của họ khi họ được tán tỉnh (với Limos, với các cửa hàng tạp hóa miễn phí) bởi nhiều nhãn hiệu, bao gồm cả Atlantic Records, trước đó Chọn ký tên với sự mặc khải độc lập nhỏ hơn nhiều. Trong các cuộc phỏng vấn, Brannon thỉnh thoảng sẽ gọi điều này là kỷ nguyên chiến tranh đấu thầu. Ah, những ngày trước khi trũng halcyon của ngành công nghiệp âm nhạc.

Trên J. Robbins, được sản xuất toàn bộ chiều dài, Texas là lý do bao gồm cảnh emo đang phát triển Thể loại tốt hơn so với ca khúc mở đầu của họ. Một lần nữa, tôi sẽ cần thời gian của bạn để chậm lại và lãng phí một chút thời gian nữa Nó là một sự khởi đầu lớn từ sự rao giảng cứng nhắc, tôn giáo và chính trị của các nhóm trước đây của họ; Thay vào đó, nó có một lời cầu xin cá nhân sâu sắc để bắn chết shit và những gì có thể là biểu tượng cảm xúc hơn thế? —Ag

Á hậu: Động cơ cứu hỏa Red, cuộc sống của các chàng trai“Fire Engine Red,” Boys Life

1997: Quần jean màu đỏ & xanh, vòng tròn hứa hẹn

Kéo năng lượng thần kinh của một ký túc xá sinh viên năm nhất của Big Ten trong tuần định hướng vào nửa giờ và bạn đã nhận được một chiếc nhẫn hứa hẹn không có gì tốt Về một người mà họ đã biết trong một tuần, những người đã rời khỏi quê hương Trung Tây nhỏ bé của họ lần đầu tiên, tất cả họ hầu như không có sự phấn khích của họ về việc ở trong tình trạng của một thứ gì đó lớn hơn họ có thể hình dung. Không có gì cảm thấy bu lông tốt từ khẩu súng khởi đầu, được đẩy bởi một trái tim làm việc quá nhanh cho phần còn lại của cơ thể. Quần jean màu đỏ & màu xanh là điểm mà mọi thứ bắt kịp với chính nó, đó là một sự lúng túng, rất vui vẻ, đối với tất cả sự lúng túng không thể đánh bại của nó, có lẽ là bài hát đã được tôn vinh một cách duyên dáng nhất trong danh sách này. —C

Á hậu: Hồi Tinfoil, Rain Rainer Maria“Tinfoil,” Rainer Maria

1998: Phân khu, máy bay phản lực đến Brazil

Giọng nói cộc cằn, sỏi trên máy bay phản lực đến hồ sơ đầu tay của Brazil, Từ điển Orange Rhyming, nghe có vẻ quen thuộc nếu bạn chú ý đến danh sách của chúng tôi: thủ lĩnh Blake Schwarzenbach đã thành lập ban nhạc với tay bass Jeremy Chatelain và Texas là lý do tay trống Chris Daly tan rã và anh chuyển đến Brooklyn. Những người đứng đầu thực sự cũng có thể chỉ ra sự khác biệt tinh tế giữa giọng hát của anh ấy trên bivouac và Orange, Schwarzenbach đã trải qua phẫu thuật trên dây thanh âm của anh ấy để loại bỏ một polyp trước khi sau đó được ghi lại.

Giọng anh nhẹ nhàng hơn xung quanh các cạnh ở đây, ảm đạm hơn và dễ hiểu hơn sau những trận chiến với sức khỏe của anh. Thay vào đó, bản solo guitar nghiền nát nơi giọng hát của anh ấy đã từng làm. Mô típ guitar cao su mở ra bài hát nghe có vẻ như khao khát được đi bộ một mình lúc 4 giờ sáng ở trung tâm thành phố Manhattan, tìm kiếm một cách mệt mỏi vì ý nghĩa. Tàu khu phố Tàu là sóng thứ hai của Emo đến tuổi trung niên. Họ đã thức dậy cũ, họ đã đặt hàng, họ đã kiệt sức: Tôi đã mệt mỏi vì chiến đấu, anh ấy hát về bài hát sự cố cuối cùng. Nó có một lá cờ trắng vẫy vào cuối một thập kỷ ghi âm và lưu diễn, một cuộc rút lui từ Punk thành một thứ gì đó được đánh bóng và chuyên nghiệp hơn. —Ag

Á hậu: “Beguiling,” Sarge“Beguiling,” Sarge

1999: Không bao giờ có nghĩa là, bóng đá Mỹ

Hãy tưởng tượng việc đưa ra lựa chọn này vào năm 1999 như thế nào: Rõ ràng, một cái gì đó để viết về nhà, thông qua việc tuyệt vời, bây giờ hãy nhìn lại, Chaos là tôi, khẩn cấp & i, tất cả các tác phẩm kinh điển ngay lập tức. Có lẽ minh chứng lớn nhất cho ảnh hưởng đuôi dài đáng kinh ngạc của bóng đá Mỹ là những album đó có vẻ hơi bị đánh giá thấp bằng cách so sánh. Odyssey bóng đá đầu tiên của Mỹ từ một lần, Lark năm cuối năm đến với tư cách nhạc rock indie đã được kể lại rất nhiều, nhiều lần và tác động của Never Never có nghĩa là hiện tại được đo lường tốt nhất trong ảnh hưởng của nó bên ngoài Emo. Những cuộc chạy guitar và kéo dài, những người chơi guitar có thể trở thành màu chính cho hậun-rock và toán học sau thế kỷ 21, nhưng chúng cũng là lý do khiến Mid Midwest Emo Emo có thể được sử dụng chính xác như một thẻ Bandcamp cho HyperPop, Soundcloud rap, digicore, và pop phẳng. Mặc dù sự hồi sinh của Emo được tạo ra trong hình ảnh của nó đã đến và biến mất, tác động của Never Never có nghĩa là cảm thấy vĩnh viễn như bất kỳ bài hát nhạc rock indie nào từ thời của nó. —C

Á hậu: Hành động và hành động, "Những đứa trẻ Get Up“Action and Action,” The Get Up Kids

2000: Sự không chung thủy la hét, bảng điều khiển bảng điều khiển

Vô tình được viết trong điều chỉnh mở và ghi lại trong khi Chris Carrabba đang sống trong chiếc xe tải của mình, thì tiếng la hét không chung Trong hơn một thập kỷ. Bản ghi âm ban đầu của bài hát, được phát hành dưới dạng ca khúc đầu tiên trong album đầu tiên của ban nhạc, The Swiss Army Romance, là phiên bản mà Carrabba đã đưa Carrabba vào mọi nhà với MTV vào đầu những năm 2000; Đó sẽ là bài hát được ghi lại cho năm 2002, những nơi bạn đã sợ hãi nhiều nhất, một album Quirk xuất phát từ một cuộc tranh chấp nhãn hiệu với các hồ sơ lái xe.

Nhưng thậm chí còn hơn cả phiên bản năm 2002 đã giành cho anh một phiên MTV Unplugged và một người Moonman, cơn đau ban đầu với sự giận dữ của thanh thiếu niên của tình yêu không được đáp lại. Cây guitar acoustic của Carrabba đã biến anh thành một ngoại lệ trong cảnh riêng của mình, Further Further dường như mãi mãi, mà anh đã hát trước khi đi một mình, đã phù hợp hơn với những cây đàn guitar dày đặc thống trị Emo vào thời điểm đó. Nhưng sự căng thẳng không được trang bị của anh ấy là sự kết hợp hoàn hảo cho lời bài hát tuyệt vọng công khai của anh ấy: Hiện tại tôi cũng sẽ nghe những bài hát buồn nhất / và ngồi một mình Thực sự không biết về người tham gia kép trong dòng cuối cùng. Anh ấy đã sớm chơi cho khán giả hát những lời nói của anh ấy ngay với anh ấy. Đó là một khoảnh khắc trên cửa trượt cho thể loại thể loại này hơn là đào sâu vào sự tự động của punk của các ban nhạc như Jets to Brazil, Wave tiếp theo của Emo sẽ tăng gấp đôi những cảm xúc kịch tính và không được lọc nhất của họ. —Ag

Á hậu: Tôi là Nietzche, lan lan“I Am Nietzche,” Orchid

2001: Mid Middle, thế giới ăn uống của Jimmy Jimmy

Các nhãn hiệu lớn đã cố gắng phá vỡ Emo từ giữa những năm 90, với hai album đầu tiên của Jimmy Eat World, là bằng chứng chính cho thất bại vang dội của họ. Nhưng vào đầu thế kỷ, Vagrant Records hành động như Cá bống bảng điều khiển và cứu ngày đã nhận được lực kéo trên đài phát thanh alt-rock và phác thảo thành công của các hành vi liên quan đến ngoại vi như Blink-182 và Album xanh Weezer. Cuộc chiến đấu thầu cho một phiên bản 10 bài của American Bleed có thể không dữ dội như vậy khi Jimmy Eat World là đại lý miễn phí sau khi chấp nhận, nhưng dù sao nó cũng sẽ xảy ra. Nếu là một người trung gian là một dunk Slam rõ ràng như vậy, tại sao không có đó là đĩa đơn chính chứ không phải là ca khúc chủ đề?

Sau đó, một lần nữa, đó là một trò chơi của người Mỹ bị chảy máu người Mỹ hay, hay là một bản hợp xướng khen ngợi được bao phủ bởi Taylor Swift và Hoàng tử. Chỉ một vài năm bị loại bỏ khỏi việc chia sẻ với sự chia rẽ với Christie Front Drive và Jebediah, Jimmy Eat World đã đạt được một sự hoàn hảo tinh khiết, hoàn hảo không thể tưởng tượng được từ làn sóng thứ hai của Emo. Thật vậy, sự chênh lệch về các con số phát trực tuyến giữa Mid Middle Middle và Jimmy Eat World, bản hit thứ hai lớn thứ hai ngụ ý rằng, đối với nhiều người, mối quan hệ của họ với ban nhạc và có thể là EMO toàn bộ bắt đầu và kết thúc với bài hát này. Nhưng không có số lượng lịch sử xét lại hoặc phơi nhiễm quá mức đã làm giảm tác động địa chấn của Hồi giáo giữa, một bài hát tạo ra một khoảng cách giữa nguồn gốc khiêm tốn của Jimmy Eat World và Emo nói chung và tương lai của nó. Không có quay lại sau này. —C

Á hậu: "Tại đám tang của bạn," tiết kiệm một ngày“At Your Funeral,” Saves the Day

2002: Dễ thương mà không có ’e (cắt từ đội), thì lấy lại Chủ nhật

Là một người Long Islander, cá nhân tôi nghĩ rằng thật phi lý khi lấy lại thủ lĩnh Chủ nhật Adam Lazzara đã chuyển từ Bắc Carolina đến vùng ngoại ô buồn ngủ của Bellmore, New York, để tham gia lấy lại Chủ nhật. Nhưng đó chỉ là cảnh Long Island nóng bỏng như thế nào vào thời điểm đó, các băng tần như Movielife, Glassjaw, và từ mùa thu đến tro tàn đã giúp đưa cộng đồng Emo và Hardcore địa phương lên bản đồ, và đến năm 2002, lấy lại Chủ nhật đã được giới thiệu để biến phần chuyển Hype thành một hit đột phá.

Lời bài hát cho dễ thương mà không có ’e (cắt từ đội), bắt đầu khi có rất nhiều đêm đáng ngờ trong 516 làm: tại một quán ăn địa phương, nơi ban nhạc hoán đổi các dòng vẽ nguệch ngoạc trong sổ ghi chép. Bạn có thể thấy những bài thơ bị phân mảnh kết hợp với nhau trong thời gian thực trong câu thơ đầu tiên: Son môi của bạn/Cổ áo của anh ấy/don Patrick làm phiền, Angel, trong ít hơn 10 từ, chúng tôi biết chính xác những gì diễn ra. Nhạc cụ của bài hát cũng tương tự xuất sắc trong sự kiềm chế của nó: bốn hợp âm mở đầu trên Duel dễ thương mà không có tiếng vang của E E Những ghi chú đó là catnip âm thanh cho các thiên niên kỷ già vào thời điểm này; Bài hát đang dần trở thành một đám cưới không thể xảy ra. Còn cách nào tốt hơn để tôn vinh mối quan hệ vĩnh cửu của hôn nhân hơn là những câu chuyện về sự phản bội, sai lầm và nữ tính của Lazzara? —Ag

Á quân: "Hương vị của mực," người đã qua sử dụng“Taste of Ink,” the Used

2003: Tín hiệu trên không, vào thứ năm ngày thứ Năm

Mới được thực hiện với văn hóa nhạc pop chưa từng có và thủ đô nhãn hiệu lớn, EMO gần như không thể chứa đựng trong một câu chuyện duy nhất vào năm 2003. Một kế toán trung thực của năm nay có thể dẫn đến, nói, Yellowcard hoặc Ataris hoặc câu chuyện của năm thực hiện điều này Không gian như một sự phản ánh của sự chuyển đổi của thể loại sang thức ăn gia súc rõ ràng vô hại. Fall Out Boy và Motion City Soundtrack đã thực hiện các cách tiếp cận độc đáo và dài dòng hơn để Pop sẽ phát triển hoàn toàn trong các album tiếp theo của họ. Hoặc, chúng ta có thể tôn vinh các tác phẩm hình thành từ đám tang cho một người bạn, từ mùa thu đến tro cốt, hoặc Saosin hoặc Silverstein, loại các biến thể kim loại, cực kỳ không bao giờ của những ngôi nhà sau thế kỷ 21 để làm cho những ngôi nhà của Blues và sẽ không bao giờ, bao giờ, bao giờ, bao giờ, sẽ không bao giờ, sẽ không bao giờ, Đã bao giờ nhận được một thẩm định trung thực trong không gian quan trọng. Sau đó, có những cựu chiến binh từ Emo và cảnh tượng rộng lớn hơn của nó, người đã được gọi đến các giải đấu lớn và được trả lời bằng hiện vật với tham vọng mới được nâng cao để phù hợp: Hát nỗi buồn, được giải thích trong comatorium, trong Reverie, nghệ sĩ trong Xe cứu thương, trong việc giữ bí mật về trái đất im lặng: 3, Deja Entendu, địa ngục, thậm chí Blink-182 đã thực hiện album nghệ sĩ của họ vào năm 2003.

Cuộc chiến thứ năm mọi lúc có thể không thành công nhất trong số rất nhiều này, nhưng theo một cách nào đó, đó là mẫu số chung giữa những xu hướng mâu thuẫn này. Sự sụp đổ đầy đủ của năm 2001 đã bán được 800 bản trong tuần đầu tiên phát hành, nhưng chưa đầy một năm sau, Geoff Rickly đã đi chiến đấu với một nhãn hiệu punk mờ ám về những chiếc đệm quảng cáo để được ví như tay trống. War All the Time của đĩa đơn đầu tiên, Tín hiệu trên không, là một viên kim cương đen bay phản lực từ mọi phía, từ những người đứng đầu Hardcore đã sẵn sàng để trốn tránh thứ năm, đến các quầy Bean Island cố gắng dỗ dành cho một ban nhạc hoàn toàn không thương mại , và với mong muốn của Rickly để tạo ra một sự thật với những lý tưởng tuyệt vời của anh ấy. . Tín hiệu trên Air Air là một chiến thắng tượng trưng, ​​bằng chứng cho thấy tham vọng và tính toàn vẹn sẽ không phải loại trừ lẫn nhau cho thứ năm tới để đi theo con đường của họ. —C

Á quân“A Favor House Atlantic,” Coheed and Cambria

2004: Helena Helena, lãng mạn hóa học của tôi

Các thành viên trong sự lãng mạn hóa học của tôi đã không dành thời thơ ấu của họ mơ ước được ở trong một ban nhạc rock. Thủ lĩnh Gerard Way lớn lên trên âm thanh của New Jersey, Bon Bon Jovi, Bruce Springsteen, và điều quan trọng là, bộ phim kinh dị của The Misfits, nhưng anh ấy đặt mục tiêu vào nghệ thuật thị giác, theo đuổi sự nghiệp truyện tranh và hoạt hình. Guitarist Ray Toro nghĩ rằng anh ấy có thể theo đuổi sự nghiệp trong phim: Tôi không bao giờ nghĩ rằng việc ở trong một ban nhạc lưu diễn là một khả năng, anh ấy nói sau đó. Nhưng sau khi chứng kiến ​​sự sụp đổ của Tháp đôi từ chuyến phà New Jersey của anh đến Manhattan, tốc độ hoạt hình và minh họa leo lên không còn phù hợp sân khấu. Ba người cổ vũ cho Sweet Revenge là, một cách phù hợp, một bộ phim slasher được ngụy trang thành một album emo; Gọt lại một lớp khác, và nó cũng là một câu chuyện sâu sắc về sự mất mát.

Fear is paramount in “Helena,” the explosive opener from Three Cheers for Sweet Revenge. Compared to their first single, the campy and almost rockabilly “I’m Not Okay (I Promise),” “Helena” is genuinely menacing. Way’s voice starts out distorted and warbled, as if singing from beyond the grave. His jump-scare vocal on the third line (“Burning on!”) is the audio equivalent of a zombie hand breaking through the earth and grabbing you by the throat. But beyond the elaborate plotline about a vigilante assassin, “Helena” was an ode to Gerard and Mikey Way’s late grandmother Elena, who passed away before they began recording the album. My Chemical Romance used the theatrics and cheap thrills of B-movie horror to grab your attention, but once they got it, they weaved in more quotidian anxieties—feeling like an outcast, fearing death, and waxing existential about the horrors of everyday life. —AG

Runner-up: “Ohio is For Lovers,” Hawthorne Heights

2005: “Sugar, We’re Goin’ Down,” Fall Out Boy

Has there ever been a more unlikely song to break the Billboard Top 10 than “Sugar, We’re Goin’ Down,” Fall Out Boy’s lead single from their second (or really, third) album? Crammed with more syllables than moments to breathe, “Sugar, We’re Goin’ Down” is almost as famous for its misheard lyrics as the song itself. Vocalist Patrick Stump used words as mere suggestions, connecting long vowel sounds with reckless abandon: “Am I more than you bah-geh-foh-eht?” (translation: bargained for yet) was one hell of a way to introduce themselves to the world at large, but Fall Out Boy always swung for the fences.

De facto frontman, bassist, and lyricist Pete Wentz had no qualms about his bald ambition: “You’re going to eat, sleep and breathe [Fall Out Boy]. I want it to be a way you think about the world,” he told Rolling Stone while touring From Under the Cork Tree. By the time the song reached no. 8 on the Billboard charts and went platinum four times over in the U.S., it was obvious that Wentz had achieved his goal. Beyond the success of the single, “Sugar We’re Goin Down” opened the floodgates to a sea of verbose, overly literary emo—some of it directly A&R’d by Wentz, like Panic! At the Disco—that would dominate Warped Tours for years to come. —AG

Runner-up: “The Only Difference Between Martyrdom and Suicide Is Press Coverage,” Panic! At the Disco

2006: ”Here (In Your Arms),” Hellogoodbye

There have been only two platinum recordings in the 22-year history of storied pop-punk and emo label Drive-Thru Records: New Found Glory’s 2002 album Sticks and Stones and the glitch-pop sugar high of Hellogoodbye’s “Here (In Your Arms).” Drive-Thru was hoping the band, whose frontman Forrest Kline had worked for the label as a web-designer as a teenager, would be their secret weapon after several years of false starts that ended with the dissolution of their contract with MCA/Geffen in 2003. Drive-Thru wanted a band on its roster that wouldn’t leap to a major at the first opportunity; the scrawny, SoCal suburban kids of Hellogoodbye were a safe bet.

It doesn’t take a genius to rhyme “are” with “car,” but with Kline’s amateur software synths, the song’s straightforward lyrics ascend to a kind of digital euphoria. In the same way that Cher’s “Believe” took pop into a cyborgian supernatural realm with its Auto-Tuned vocal runs, “Here (In Your Arms)” was a slightly ridiculous breath of fresh air in an era of overwrought lyrics and dense conceptual records. (This was, after all, the year of My Chemical Romance’s The Black Parade.) In the hyperpop era of 100 Gecs and Jane Remover, the chaotic spirit of Hellogoodbye’s one-hit wonder improbably lives on. —AG

Runner-up: “Curse of Curves,” Cute Is What We Aim For

2007: “Misery Business,” Paramore

Vengeful breakup songs written by men for an audience increasingly made up of teenage girls—emo’s prevailing, pernicious stereotype in this era was rife with dissonance that would later reveal its ugly, underlying truth. Paramore’s supernova second album, Riot!,was necessary and damn-near revolutionary in this context for simply existing, though its most popular and impactful song complicates its legacy. The narrative of “Misery Business” would not have been out of place on a Rihanna or Miranda Lambert album at that time—a woman in frightening command of her own powers of persuasion is going to steal your man because, y’know, if it feels sooooo good, do it. In the process of becoming the most creatively rewarding artist from this time as well as a revered moral barometer, Hayley Williams has retired “Misery Business” from Paramore’s live setlist, the most prominent of the unforced self-cancellations in a genre that has spent the past decade reevaluating its problematic gender politics. Of course, there’s not much Williams can do to keep “Misery Business” out of Spotify playlists and radio rotation, and it’s there when anyone feels like they need it. So it goes with a genre unmatched in dredging up the dark matter one can spend the rest of their life trying to forget. —IC

Runner-up: “Check Yes Juliet,” We The Kings

2008: “Some Kind of Cadwallader,” Algernon Cadwallader

Algernon Cadwallader were both too early and too late to experience their own success. The unbridled screams and nimble, offbeat guitars of “Some Kind of Cadwallader” feel straight out of the math-rock Jade Tree catalog from a decade earlier. They rarely self-identified as emo at the time; their references to Cap’n Jazz and American Football were at odds with a genre in the throes of its Hot Topic teenage years. And like any emo band worth a fanatic obsession, they disbanded only a few years after their 2008 release, before they could participate in the ’90s-inspired “emo revival” that they almost single-handedly, well, revived. If there’s a noticeable pivot away from major-label theatrics in the remainder of this list, Algernon Cadwallader is to thank. Their playfulness and DIY approach to music production freed emo from the pitch-perfect, pretty-boy aesthetics of the previous decade. Like the Velvet Underground for the Topshelf Records roster, Algernon Cadwallader played only a few years in their original form, but seemingly every punk kid who came out to see them started a twinkling emo band. —AG

Runner-up: “I Saw Water,” Tigers Jaw

2009: “Honest Sleep,” Touché Amoré

“The new wave of post-hardcore” that took shape during the end of the 2000s was often seen as a counterbalance to the concurrent “emo revival.” On one side, you had your Cap’n Jazz worship, slide whistles, and oversized pizzas. And on the other side was the unofficial collective of bands that included La Dispute, Pianos Become the Teeth, Defeater, Make Do and Mend, and Touché Amoré that escalated the incandescent intensity of post-hardcore with the aspirational airs of post-rock or Russian literature—Pushkin meets push pit.

Led by a straight-edge record-store clerk and a CalArts student who would go on to design Britney Spears album covers, Touché Amoré were the most populist of the Wavers—though it might have been tough to tell based on the title of their 2009 debut: … To the Beat of a Dead Horse.Thing is, frontman Jeremy Bolm admitted that “The Wave” was “an inside joke that got taken too far,” underscoring how the people who both made and consumed this music understood the grim humor in dedicating oneself to music this deadly serious. “I speak in sarcasm to relate to all the things I appreciate,” he yells during “Honest Sleep,” a veritable epic at 2:32 compared to the 90-second spasms that make up most of Dead Horse, andone that tries to discern the meaning of a hardcore life—making the hopes, dreams, and deepest fears of the guy on stage relatable to those of the people on the floor. Depending on the situation, the last verse might be repeated three or four times: “I’m losing sleep, I’m losing friends/I’ve got a love-hate-love with the city I’m in/I’ll count the hours, having just one wish/If I’m doing fine there’s no point to this.” I don’t think I’ve ever seen Bolmactually sing all of them himself. By that point, he’s held the mic to the crowd, knowing full well his words are no longer his alone. —IC

Runner-up: “Keep What You’ve Built Up Here,” EE!IWALE

2010: “Pile! No Pile! Pile!,” Brave Little Abacus

On their last album before they disbanded in 2012, Brave Little Abacus asks the question, “Why can’t we rock out with xylophones and pianos in tow?” Lead singer Adam Demirjian screams over a cacophony of glockenspiels, church organs, and synths, not so much competing with his band as manifesting his messy emotions through their layered instruments. “Pile! No Pile! Pile!” is as contradictory and verbose as its title—there’s “over-analytic demeanors,” “fabricated boundaries,” and, aptly, “songs’ polyphony,” but you don’t have to parse the individual lyrics to pick up on the restlessness in his voice. Long before “Fifth-Wave” emo expanded the possibilities of what the genre could sound like, Brave Little Abacus’s sound collage and experimentation set a benchmark for boundary-pushing rock that still managed to share its predecessors’ catharsis. —AG

Runner-up: “So I Shotgunned a Beer and Went Back to Bed,” Snowing

2011: “Constant Headache,” Joyce Manor

The emo revival may have repudiated most of the aesthetic qualities of its preceding “hair metal” period, but the inextricable relationship with social media was kept intact. MySpace remained a crucial hub for networking and touring information, while makeshift punk blogs, message boards, and Tumblr served as mp3 trading stations and hype incubators. A leak of Joyce Manor’s debut had virtually attained “instant classic” status by the time it was released in January 2011, and frontman Barry Johnson attributed its success to “16-year-old and 17-year-old girls, with septum piercings and green hair”—a demographic fluent in Tumblr and so alienated in high school that they could view the miserable one-night stand outlined so quotably in “Constant Headache” as aspirational. While most of the initial conversations surrounding Joyce Manor have been relegated to the digital dustbin of history, to this day, it stands as the rare time the East Coast hardcore, SoCal pop-punk, Midwest emo, and straight-up internet kids found common ground. —IC

Runner-up: “King Park,” La Dispute

2012: “Tibetan Pop Stars,” Hop Along

Frances Quinlan sings like they’re playing tug of war with their own breath. Their vocal inflections punctuate each verse, their lower register a percussive accompaniment to brother Mark Quinlan’s drums—“How content are the ones,” they ask, “with simple demands?” On Hop Along’s self-released debut album, Get Disowned, the band searches, in personified mattresses and playground sex ed lessons, for some kind of contentment. In a crowded field of overly literary lyricists, Quinlan has perhaps the strongest claim to a title like “emo’s Flannery O’Connor” or maybe “emo’s Virginia Woolf,” a writer who invents tragic characters—like the “seven-fingered man” on “Tibetan Pop Stars”—as avatars for deeper moral excavations.

Blink-182’s Mark Hoppus famously called “Tibetan Pop Stars” “the most painfully beautiful song ever,” but it’s debatable whether he put the adjectives and adverbs in the correct order. It’s painfully beautiful to hear Algernon Cadwallader guitarist Joe Reinhart—who initially signed on to produce the band’s record before joining it himself—play a heartbreaking tremolo-driven arpeggio, sounding a bit like the saddest song on a latter-day Elvis record. But it’s also beautifully painful to hear Quinlan and the rest of the band sing the concluding verse: “My love is average/I obey an average law.” —AG

Runner-up: “Covet,” Basement

2013: “Getting Sodas,” The World Is a Beautiful Place and I Am No Longer Afraid to Die

Regardless of how you’d describe indie rock in the early 2000s—Blog Rock, the Garden State Era, Peak Pitchfork, etc.—emo was viewed as occupying a completely different space than all of those post-rock dream weavers and wooly Canadian collectives. Bearing a perfectly absurd name and nearly a dozen members (give or take), Connecticut-via–West Virginia’s the World is a Beautiful Place and I Am No Longer Afraid to Die might’ve drawn comparisons to Broken Social Scene or Arcade Fire or Illinois-era Sufjan or Explosions in the Sky on the strength of numbers alone. But their revolutionary debut, Whenever, If Ever,made it clear that all of these factions were playing the same game, hurtling recklessly toward the most hyperbolic group catharsis possible. I actually had seen a shooting star before 2013, but never people crowd-surfing on stage until this Fest 13 performance of Whenever, If Ever closer “Getting Sodas.”Over the past decade, I’ve dedicated tens of thousands of words to the pursuit of explaining what made TWIABP and its ilk feel like a legitimately life-changing movement, and none of it has come close to those 90-seconds of footage. —IC

Runner-up: “The Medic,” Foxing

2014: “An Introduction to the Album,” the Hotelier

“Apparently we’re emo now,” Christian Holden wrote upon the release of their band’s second album, Home, Like Noplace Is There. They meant it as a warning as much as a label: Home, Like Noplace Is There supplanted the one-horse-town tales of their debut with stories of addiction, cycles of abuse, and unfathomable loss. “Open the curtains,” Holden sings, perhaps a theatrical reference to the start of a long, sordid play, but also as a directive to get out of bed and look at the sun.

There is almost no percussion at all on “An Introduction to the Album,” just Holden and a few guitars weaving in and out of despair, a cycle of redemption and relapse that returns throughout the album. Holden’s verses open with their own glimmers of hope: “You shot from the hip,” “I searched for a way out.” But time and again, they’re undercut: They missed the shot, they didn’t heal. It’s this nuance that makes Home, Like Noplace Is There so viscerally painful and real; it’s an album about people who want to get better but fail in spite of their efforts. Before the drums finally come in, Holden’s voice raises, slowly, then all at once, to a scream: “The pills that you gave didn’t do anything/I just slept for years on end/Fuck!” Holden desperately wants to look out their window, to hear the birds; if only they could shake off the easy destruction of endless sleep. There aren’t perfect heroes and villains on Home, Like Noplace Is There—just regular people, trying to construct something beautiful. —AG

Runner-up: “Your Graduation,” Modern Baseball

2015: “Cutting My Fingers Off,” Turnover

With streaming and social media utterly decimating whatever boundaries existed between genres, emo’s survival in the mid-2010s was contingent upon its synergy. And the Boston-based Run for Cover Records was home to nearly all of the most popular cross-breeds: alt-country (Pinegrove), stoner metal (Cloakroom), chiptune (Crying), shoegaze (Pity Sex), grunge (Citizen), lo-fi singer-songwriter (Alex G), glitch (Katie Dey), and even SoundCloud rap (Wicca Phase Springs Eternal). And then there’s Turnover’s wildly successful Peripheral Vision,which unified emo and the kind of terminally chill indie rock to which emo was frequently seen as an antidote in 2015, a synthesis that felt entirely sensible and revolutionary at the same time. The interlocking guitars and cocooning reverb of opener “Cutting My Fingers Off” were familiar enough to anyone who heard a single Real Estate or Wild Nothing song, but those guys never opened for New Found Glory. There’s just the right amount of Turnover’s roots peeking out in the song’s propulsive melodies, crushed-out lyrics, pulse-quickening drum rolls, and Will Yip’s brilliantly blushing production, mirroring the exact growth spurt occurring in a fan base aging out of pop-punk to discover dream-pop, shoegaze, and indie-rock publications in real time. —IC

Á quân: "loại cô gái đó," tất cả những con chó“That Kind of Girl,” All Dogs

2016: Tam Tamago, rừng

Thật khó để cảm thấy lạc quan về bất cứ điều gì ở Mỹ vào cuối năm 2016, và sự hồi sinh cảm xúc cũng không khác. Các lễ hội quan trọng như Broken World và Wrecking Ball và Fest đang trên bờ vực thu hẹp hoặc bị loại bỏ hoàn toàn. Emo Emo Night, thường có nghĩa là một sự kiện khiêm tốn được cắt bởi Braid Deep Cuts, trong khi vào năm 2016, các trợ lý CAA đã giảm hàng trăm đô la cho thương hiệu SAD SAD AS FUCK. Người chủ khách sạn, tình dục thương hại, bóng chày hiện đại, và bạn đã thổi nó! . Vào khoảng trống này, cỏ dại tự giải thích hoặc, yeesh, Hồi Meme-o, Hồi là một điều lớn tiếp theo.

Tôi cho rằng nó phù hợp rằng bạn phải nhìn sang phía bên kia của Quả cầu để tìm một tia hy vọng. Ở đây, chúng tôi đã có những đứa trẻ từ khắp châu Á làm rung chuyển quần short, mũ của bố và crocs với các công cụ truyền hình của họ. Chết tiệt, thậm chí còn có một bóng đá Trung Quốc. Thật khó để nói liệu các khu rừng bộ ba Singapore có phải là ban nhạc Emo châu Á đầu tiên thu hút sự chú ý của Tây bán cầu hay không, nhưng họ chắc chắn là người giỏi nhất. Tinh thần của năm 2008 Philly không thể nhầm lẫn trong bước đột phá của họ, Tam Tamago, đặc biệt là mối quan hệ nhảm nhí tình cảm của bạn với các ban nhạc với thể loại của riêng họ (những bài hát này từ miền Trung Tây! Tuy nhiên, thay vì bị pha loãng bởi thời gian và không gian trôi qua, mọi yếu tố từ âm thanh cổ điển đó đã được khuếch đại nhiệt tình: những tiếng la hét ngoài kilter hơn, trò chơi chữ đáng yêu hơn, và cách thức nhiều hơn Với sự thành thạo chóng mặt của các ban nhạc toán học châu Á như Toe, Tricot và Voi Gym cũng sẽ xuất hiện trên nhãn. Ngay lập tức, Tam Tamago đã tạo ra một cuộc cách mạng trong các vòng tròn quan trọng, vì các ban nhạc từ lục địa của họ vẫn bị bỏ qua phần lớn nếu họ thừa nhận. Tuy nhiên, Tam Tamago, phục vụ như một lời nhắc nhở rằng bất cứ khi nào bạn cảm thấy chán với emo của Mỹ, thì có cả một thế giới ngoài kia. —C

Á hậu: Tôi đã quên uống thuốc của mình, Hoàng tử cha và linh cẩu“I Forgot to Take My Meds,” Prince Daddy and the Hyena

2017: Tiết kiệm đó là shit, lil lil peep

Vào năm 2016, Pitchfork có tên Lil Peep Hồi Tương lai của Emo, mặc dù nó dường như là một trường hợp lịch sử lặp đi lặp lại: The Fizzy, Collegiate Pop of Jade Tree, Polyvinyl và sớm Vagrant đã hoàn toàn bị vượt qua bởi người bóng mượt và trữ tình hơn Tích cực như dòng đầu tiên, thương hiệu mới và lấy lại Chủ nhật. Sau nhiều năm emo phục hồi hình ảnh của nó cho một độ tuổi quan tâm và bao quát hơn, ở đây là một người đàn ông xấu khác từ Long Island loại bỏ những viên thuốc độc được phủ kẹo. Khi Peep nhận được nhiệt khi rap trên một mẫu khoáng sản không rõ ràng, cộng tác viên của anh ta, Gab3 giải thích rằng đó là một sự hiểu lầm và nó không bao giờ có nghĩa là để bán trên các nền tảng phát trực tuyến. Nhưng biểu tượng quan trọng: Giấc mơ Hollywood Hollywood hiện có 15 triệu lượt xem trên YouTube. Tôi nghi ngờ mọi video khoáng sản tồn tại kết hợp có thể đến gần.

Chứng kiến ​​Save Save That shit, trung tâm của Peep, Quasi-Major-Label ra mắt xuất hiện khi bạn tỉnh táo, Pt. 1 và một tổng số gọn gàng của một sự thay đổi thế hệ. Những giai điệu sân chơi tinh túy của Peep, và thế giới quan độc hại chắc chắn là phản cảm và cũng hấp dẫn hơn nhiều đối với một thế hệ trẻ em và các nghệ sĩ đồng nghiệp nghe thấy những anh chàng với hình xăm mặt rap trên những cây đàn guitar twinkly và không có ý định gọi nó là emo thực sự. Tôi có thể đưa bạn đến đó, nhưng em yêu, bạn đã giành chiến thắng, anh ấy đã hát. Và thực sự, ai có thể cưỡng lại? Nhưng như trường hợp của các đồng nghiệp Emo-Rap tương lai của anh ấy xxxtentacion và Juice Wrld, có một sự hồi hộp, gây sự cảm giác đầy nguy hiểm trong việc gặp phải âm nhạc Peep, như xử lý đạn dược sống. Và thực sự, video cho Save Save That Shit đã ra mắt một tháng sau khi Peep chết vì quá liều tình cờ vào tháng 11 năm 2017, nhấn mạnh sự phức tạp của trò chơi trò chuyện của nó. Anh ấy không nói với cô gái của mình để cứu điều đó theo định nghĩa phổ biến hơn, tức là, hãy tha cho tôi rên rỉ của bạn, hoặc đó là chính cô gái có thể được cứu, dự án Pat hoặc Ty Dolla $ ign. Thay vào đó, đó là dấu phẩy trong nhóm Can Can Save That, cô gái, đang thực hiện công việc nặng nhọc, Lil Peep đang nói về cuộc sống của chính mình. Nhìn lại, Tương lai của Emo, đã bán Lil Peep Short: Đã là một trong những nghệ sĩ có ảnh hưởng nhất của thế kỷ 21, Peep vẫn cảm thấy như hiện tại của Pop, với tất cả những điều đẹp đẽ và nghiệt ngã đòi hỏi. —C

Runner-up: “Teen Challenge,” Great Grandpa

2018: “The Opener,” Camp Cope

Some lyrics feel so venomous, so laced with anger that they must have been ripped straight from lived experience. On the first song on the second album from Melbourne’s Camp Cope, Georgia Maq writes about her firsthand experience of misogyny and sexism in the music industry with such contempt that at points, she almost seems to laugh in spite of herself.

Camp Cope wrote “The Opener” over the course of a few months in 2017, after they were booked to play Australia’s massive Falls Festival alongside only a few other non-male artists, most of whom were booked in early slots. Their lyrics morphed into a specific callout of the festival—“It’s another fucking festival booking only nine women!—and before long, Falls had no chance but to answer for its booking blunders. The festival’s response—essentially, that there aren’t enough female musicians at “that headline level,” that they should “start their own events”—sounded almost identical to the lyrics Maq sneers on “The Opener”: “It’s another man telling us we can’t fill up the room/It’s another man telling us to book a smaller venue.” “The Opener” is a clever double entendre—yes, it’s the opening track, but it’s also a screed against the default billing for an all-non-male band: an opener, a token early spot on the lineup. It sounds extra bitter, and extra sweet, to hear Maq scream those lyrics—usually as their closer—in the midst of Camp Cope’s headlining tour. —AG

Runner-up: “life,” awakebutstillinbed

2019: “Bedroom Community,” glass beach

Most of the bands on this list were known quantities at the time of these songs’ release—bands emerging from an established scene, perfecting ideas that had been bubbling up in the ether over the past couple of years. glass beach, on the other hand, came out of nowhere (or, more specifically, North Hollywood). Initially self-released in 2019, the first glass beach album arrived bearing ProTools–crashing compositional sophistication, a limitless musical vocabulary, and almost no internet footprint; the quartet had played maybe five shows to that point and the impact of frontperson J. McClendon’s previous act Casio Dad was mostly felt by their current band members. Yet, as “Bedroom Community” proved, glass beach was a band made up of very online individuals, taking an empathetic and unsparing look at what has become glass beach’s target demographic: people who can’t imagine a life without social media, both blessed and cursed with the ability to monetize their sadness in a way that might make sullen teens of the pre-internet age feel kinda jealous. It’s prog-rock, power-pop, musical theater, jazz, ambient, and showtune—only a fraction of what the first glass beach album brought to a scene that frankly seemed out of new ideas after weed emo and emo-rap petered out. It’s a synthesis so inspiring that an entirely new wave was created in its image. —IC

Runner-up: “Doctor Whomst,” Origami Angel

2020: “In October of 2019 …” Your Arms Are My Cocoon

What do we talk about when we talk about “Fifth-Wave emo”? The subgenre, if you can call it that, is usually mentioned at a distance, with scare quotes and a whiff of Twitter-scented irony. It’s a bit like trying to describe contemporary art—it’s, uh, everything that happened after the ’60s, I guess?—in that it’s more a description of the time (roughly post-2018) and place (usually online) of a band’s rise to popularity than a reference to any concrete musical unifiers.

Your Arms Are My Cocoon, the solo project of Tyler Odom, feels as close as anything to a definitive marker of the movement, a band to hold others up against to see if they fit the ethos of the Fifth Wave. An unlikely combination of dusty bedroom pop and unbridled screamo, his debut self-titled album is strangely hypnotizing in its contradictions. “In October of 2019 i called the suicide hotline for the first time in my life” is a 97-second highlight of the short record, with twinkling guitars, drum machines, chiming glockenspiel, and of course, Odom’s voice, muted as if he’s screaming into a pillow. Recorded in his bedroom (and sometimes his car) across 2019 and 2020, it feels spiritually like the early days of the pandemic, when most of us were similarly confined to our cars and our bedrooms—strangely cozy, yet undeniably terrified. —AG

Runner-up: “Silt,” Stay Inside

2021: “Search Party,” Jane Remover

The artist formerly known as dltzk (and also leroy) initially made their name in the extremely online spaces of digicore, hyperpop, or their preferred nomenclature “Dariacore” —movements that sound intended to make any music listener over the age of 35 see their life flash before their eyes. Jane didn’t initially seem as reliant as their more accessible peers on Midwest emo as a primary source for riffs and lyrical inspiration, at least until they released Frailty in late 2021. It’s a nearly hour-long, honest-to-god album in a style that once seemed fundamentally unwilling to adhere to that format. Early single “Search Party” tipped off the synergistic mastery to come: The “Dariacore” tag is no joke, as Jane’s vocals are as deadpan as their words are hyperbolic (“I’m just praying I don’t lose my heads/I’ll end up dead/And I’ll promise I’ll be back by 10”). During the closing breakdown, which imagines a Mineral CD bursting into flames, Jane lets out a scream that leaves no doubt as to which genre this belongs. It’s unclear whether the mercurial Jane Remover will continue making music like this, but I imagine most forward-thinking emo artists will. —IC

Á hậu: “Hỗ trợ Harakiri,” nhà là nơi“Assisted Harakiri,” Home Is Where

2022: vào tháng Tư, "lo lắng

Lo lắng cảm thấy như kết thúc hoàn hảo cho một bản tóm tắt của lịch sử Emo. Ban nhạc Connecticut, có các thành viên cạnh thẳng hầu như không đủ tuổi để uống một cách hợp pháp, là thanh thiếu niên trong đỉnh cao của sự hồi sinh Emo giữa năm 2010, và giống như những miếng bọt biển buồn bã hấp thụ mọi thứ mà thể loại cung cấp. Động lực thanh nhạc khắc nghiệt của họ nhớ lại Touché Amoré và thậm chí là cậu bé đầu tiên; Móc guitar xếp lớp của họ có thể bị nhầm lẫn với một ban nhạc cover thế giới Jimmy Eat. Bài hát tình yêu acoustic, Wayne Wayne cảm thấy giống như một bản cập nhật hiện đại, ít tự ghê tởm trên bảng điều khiển. Họ thậm chí còn tham khảo các ban nhạc đã chia tay trước khi họ được sinh ra: nhịp điệu nghiêng của bạn khi bạn đi, là một người khổng lồ sóng đầu tiên như Texas là lý do và penprint. Nhưng họ không chỉ đơn giản là hồi sinh ảnh hưởng của họ. Vào ngày vào tháng Tư, họ kết hợp chúng thành một bài hát mà lớn hơn các phần của nó: những giai điệu guitar lấp lánh, nhịp điệu dày đặc, hòa âm giọng hát được hát, một bản dựng nhạc cụ sóng thứ ba tinh túy cho bản hợp xướng cuối cùng. Nó tổng hợp cho một ban nhạc nghe có vẻ hoài cổ và giống như một điềm báo của Emo sắp tới. —Ag

Á hậu: Cái chết của Ego, Foxtails“Ego Death,” Foxtails

Ian Cohen là một nhà văn và chuyên gia dinh dưỡng đã đăng ký sống ở San Diego. Tác phẩm của anh đã xuất hiện trong Pitchfork, Spin, Stereogum và Grantland.

Arielle Gordon là một nhà văn và kỹ sư phần mềm có trụ sở tại Brooklyn. Công việc của cô có thể được tìm thấy tại Pitchfork, Bandcamp, Stereogum, và trên tủ lạnh của bà ngoại.

Bài hát emo số một của mọi thời đại là gì?

Mọi người cảm xúc nghe gì?

Ai là emo đầu tiên?

Bài hát Emo được gọi là gì?