Top 100 phim về tình yêu năm 2022

Là một thể loại, bộ phim hài lãng mạn đã có những đỉnh cao được xác định rõ ràng [những năm 1940 và 1980] và mức thấp [những năm 1990-2000] dựa trên sự thèm ăn của người xem và năng lực studio, nhưng nhờ vào điều này mà chúng ta gọi là điều kiện của con người, Truyện ngụ ngôn cho thấy làm thế nào hai người có thể, thực sự, tìm thấy và trân trọng nhau mặc dù mọi trở ngại sẽ không bao giờ tránh xa thời trang lâu dài, bất kể ngành công nghiệp vô hồn và cay độc như thế nào. Cho dù chúng ta còn trẻ và ngây thơ, không phải là trẻ tuổi và tìm kiếm, hoặc già nua và gắt gỏng với một điểm yếu [hoặc trí nhớ đăm chiêu], thì luôn luôn thèm ăn các cuộc gặp gỡ hấp dẫn, những bộ phim hài đã giải quyết lỗi và ngoại thất tan chảy. Vì vậy, bất kể chất độc đặc biệt của bạn khi nói đến kịch bản đều có tình yêu và các mối quan hệ, hãy để Danh sách Danh sách 100 bộ phim hài lãng mạn hay nhất mọi thời đại cung cấp cho bạn những gì bác sĩ đã yêu cầu.

Tất nhiên, trong khi những bộ phim hài lãng mạn xuất hiện trong nhiều hương vị như chính sự lãng mạn, thì danh sách này có phần hạn chế hơn, chủ yếu rút ra từ Hollywood [mặc dù chúng tôi đã rắc một vài tác phẩm kinh điển của Bollywood bằng cách thừa nhận]. Ngoài ra, lời nhắc nhở quan trọng này: Hơn một vài cử chỉ rom-com thành công, thành công sẽ chỉ mang lại các khoản phí rình rập và lệnh cấm khi được áp dụng trong thế giới thực, vì vậy hãy sử dụng một chút thông thường, tại sao lại không YA?

100. Tôm hùm [2015]

Giám đốc: Yorgos Lanthimos Yorgos Lanthimos

Đạo diễn Hy Lạp Yorgos Lanthimos, theo dõi các mương chó đột phá quốc tế đó mà bộ phim thắt nút bệnh lý gia đình, nhưng từ chối là ít hơn bất kỳ. Thay vào đó, nó mở rộng, thậm chí cả những người nổi tiếng, logic Dogtooth, cho đến khi nó kéo dài. Tôi biết: điều đó không có ý nghĩa nhiều, nhưng hãy ở lại với tôi, đó chính xác là cách Lanthimos và đồng tác giả Efthymis Filippou cho rằng khán giả sẽ tiếp cận tôm hùm, bắt đầu với người đàn ông quen thuộc, hàng đầu của Colin Farrell, Gone Full Dad -Bod cho một vai diễn gây tranh cãi là ví dụ điển hình nhất của nam diễn viên cho thiên tài vẫn chưa được đánh giá cao của anh ấy. Với sự quyến rũ đáng chú ý, Farrell sống ở David, một người đàn ông, khi biết rằng vợ anh ta đã lừa dối anh ta và vì vậy phải kết thúc mối quan hệ của họ, được yêu cầu một cách hợp pháp để đăng ký đến một khách sạn nơi anh ta có 45 ngày để tìm một người bạn đời mới , kẻo anh ta được biến thành một con vật mà anh ta chọn. David dễ dàng giải quyết dựa trên tên gọi, tôm hùm mà anh giải thích anh chọn vì tuổi thọ dường như của họ, những sinh vật như tai người phát triển và phát triển mà không kết thúc cho đến khi chúng được cho là cái chết. Tại khách sạn, David cố gắng hết sức để sưởi ấm cho một người phụ nữ không có linh hồn đẹp, biết những ngày còn lại của anh ta được đánh số, nhưng chiều sâu mà cô ta quyết tâm cuối cùng khuyến khích anh ta lên kế hoạch thoát ra, qua đó anh ta trúng tuyển vào một bản nhạc. Tập đoàn lưới của dân gian đơn, dẫn đầu là Léa Seydoux. Tất nhiên, chống lại tất cả các quy tắc mà anh ta có một cuộc gặp gỡ với người ngoài khác [Rachel Weisz] liên quan đến ngôn ngữ ký hiệu được thiết kế công phu [một phép ẩn dụ có thể, giống như nhiều trong thế giới của Lanthimos, vì nghi thức hẹn hò kỳ lạ], và họ yêu nhau . Thế giới của tôm hùm là một tương lai dystopian, giống như một loại trần tục, ngoại ô ở khắp mọi nơi trong một vũ trụ thay thế ngụ ngôn. Bất kể, Lanthimos và Filippou không tìm thấy niềm vui nào trong việc giải thích nền tảng của bộ phim của họ, bận rộn hơn để xây dựng một tòa nhà hài hước vô lý mà họ có thể đánh cắp sự căng thẳng và lo lắng của sự lãng mạn hiện đại. Theo nghĩa đó, tôm hùm là một bộ phim nữ quyền kỳ lạ, bị ám ảnh bởi thời gian và bao nhiêu áp lực gây ra cho mọi người, đặc biệt là phụ nữ, để root xuống và tìm ai đó, bất kể chi phí. Nếu bạn đã từng có một cuộc trò chuyện với một mối quan tâm đáng kể khác về sự nguy hiểm ngày càng tăng khi mang thai vào cuối những năm 30 tuổi, thì tôm hùm và không kém Bạn nên có bây giờ nhưng có lẽ không đủ khả năng. SINHDOM Sinacola

99. Ngôi nhà ngọt ngào Alabama [2002]

Giám đốc: Andy Tennant Andy Tennant

Bờ biển rom-com này về công thức và các khuôn mẫu miền Nam quen thuộc, nhưng có một màn trình diễn chiến thắng từ Reese Witherspoon, hóa học tuyệt vời giữa cô và những người đàn ông khác nhau trong cuộc đời của cô [bao gồm Fred Ward là cha cô, Josh Lucas và Patrick Dempsey như tình yêu của cô sở thích và Ethan phôi như người bạn đồng tính khép kín của cô], và cuối cùng đối xử với môi trường Alabama của nó với một sự tôn trọng không cảm thấy bị ép buộc hoặc không thành thật. Bộ phim hài lãng mạn đã diễn ra trên một slide dài, tăng tốc kể từ những năm 90 kết thúc, nhưng ngôi nhà ngọt ngào Alabama là một trong số ít những tác phẩm kinh điển thực sự của thể loại thế kỷ này. CấmGarrett Martin

98. Serendipity [2001]

Director: Peter Chelsom

Not exactly a heavy-hitter, Serendipity plays with an idea many of us find very seductive: The notion that there is someone out there who’s perfect for you and fate will see to it that you find each other. This seldom happens in real life, so we love it when it happens in movies. John Cusack and Kate Beckinsale play strangers who are inescapably drawn to each other, but after a brief tryst go back to their own lives—except their own lives just seem to have something incalculably missing. The plot’s beyond predictable, but projecting brooding romantic hero depth even in the total absence of script assistance is John Cusack’s superpower. Somehow that, plus great Valentine-to-New-York settings, plus putting Jeremy Piven to especially helpful use, combined with a core idea that just seems fundamentally resonant to a lot of humans—well, it just works, even if there are no surprises to be found in this thing at all. —Amy Glynn

97. Crazy Rich Asians [2018]

Director: John M. Chu

Chinese-American professor of economics Rachel Chu [Constance Wu] is Chinese-American, and the adaptation of Kevin Kwan’s best-selling book Crazy Rich Asians starkly makes that point, repeatedly. Rachel’s college best friend Peik Lin [an ebullient Awkwafina] calls her a “banana”: “Yellow on the outside, white on the inside,” and attaches a superlative when she says this. Her mother [Tan Kheng Hua], on the occasion of finding out Rachel will be traveling to Singapore to meet her hunky boyfriend’s family, tells her a somewhat uncomfortable truth: “You are Chinese, you speak Mandarin, but in here,” she says, pointing to Rachel’s heart, “You are American.” It is a bittersweet, but rather perceptive observation, one that finely articulates a compounded sense of otherness Rachel feels throughout the film, particularly once the plot gets rolling and Rachel realizes that her debonair Nick Young [Henry Golding] is the son of an obscenely wealthy Singaporean family who leans heavily on traditional Chinese family values and matriarchy. She is middle class, raised by a single mother and, as everyone has been quick to point out, Chinese-American. If Crazy Rich Asians is not as barbed in its satire about the bourgeoisie as one might want in a cultural landscape where it has become more popular to be vocally anti-capitalist [or at least skeptical of capitalism as a system and ideology], it nonetheless sparkles in its in-jokes about Asianness and Chinese families and the interconnectedness of other Asian people. In the skin of a very competent romantic comedy, it is slickly directed by Chu, whose strength in making champagne on a beer budget lies not in the objects on display in and of themselves, but in the color correcting and cinematography by Vanja Cernjul. However, in its keen and sensitive and moving observations about the uncertainty in being Asian-American, it’s always drifting, and Wu’s incredible ability to convey all those ideas wordlessly is what makes the film more than just about a material China girl. —Kyle Turner

96. Overboard [1987]

Director: Garry Marshall

In a genre that demands ever more creative obstacles to its protagonist’s ultimate destination, Garry Marshall’s Overboard relies on one that can make modern audiences a bit uncomfortable—rich woman [Goldie Hawn] with amnesia fooled into thinking she’s wife to a guy [Kurt Russell] and mother to his children. There’s a great deal of “positioning” to make this more palatable—Hawn’s pre-amnesia character is so dislikable her actual husband feigns not recognizing her after the accident once he realizes she’s lost her memory, and she stiffs Russell’s handyman after a job well done—but ultimately the plot is powered by the chemistry and comic timing of its leads, not on whether a viewer thinks there’s a consent problem. Hawn and Russell make it work, and that alone is enough to make this version [as opposed to the 2018 film starring Anna Farris] worth a spot on this list. —Michael Burgin

95. Tootsie [1982]

Director: Sydney Pollack

Can you imagine how audiences and critics might react to Tootsie if it came out in theaters today? Sydney Pollack’s film plays with gender roles and layers its portrait of an actor going full drag with gay panic for giggles. You can just picture this film getting lambasted today for making a joke out of homophobia and for having the gall to ask viewers to sympathize with the plight of an actor who has to dress as a woman to find work. But the reason Pollack’s 1982 classic endures is because of its compassionate heart. This is a kind, empathetic movie that puts its hero, Dustin Hoffman’s cranky perfectionist thespian Michael Dorsey, in the shoes of his female peers to teach him [and us] a lesson, not to make snide jokes at the expense of the opposite sex. The humor is never mean-spirited; the message is rarely pompous, though when it is, that’s meant to be part of the point. Tootsie’s sharp comedy makes it a great piece of entertainment, but it’s the film’s sincere sensitivity that makes it timeless. —Andy Crump

94. To All the Boys I’ve Loved Before [2018]

Director: Susan Johnson

Adapted from Jenny Han’s YA novel of the same title, TATBILB [as its legion of superfans often refer to it] arrived on the cultural landscape with a bang, suggesting the teen rom-com genre might be on the verge a new golden age. Ultimately, the fluency with which director Susan Johnson, Han, and screenwriter Sofia Alvarez speak “teen rom-com” allows them to take the fizzy conventions of the John Hughes films that Lara Jean loves, mix them all up with the 10 Things I Hate About Yous and the Cluelesses and the She’s All Thats that the outfits and soundtrack and Pacific Northwest setting invoke, and send all their best bits and pieces through a machine that modernizes those elements even as it sweetens them to pure confection [yes, even the conflicts]. Lara Jean and Peter get together because of a lie, sure, but their intentions toward each other are never anything but pure, and their reactions when trouble hits, never vicious. This sweetness works because, like Johnson et al., we in the audience know what shape rom-coms have historically taken, and are thus ready and able to have our expectations subverted in the purest of ways. This, of course, sets another bar for the new Golden Age of the Teen Rom-Com, but future rom-rom filmmakers shouldn’t fret—To All the Boys I’ve Loved Before has left you a cheat sheet. All you need to remember is that we don’t need another round of lasciviousness, or selfishness, or petty resentment, or teenage revenge. We just need a wholesome Peter Kavinsky, asking his Lara Jean Covey not to break his heart. —Alexis Gunderson

93. Desk Set [1957]

Director: Walter Lang

Of the nine movies Katherine Hepburn and Spencer Tracy made together, Desk Set may not be the most well-known, but the 1957 romantic comedy was almost shockingly ahead of its time. Hepburn’s Bunny Watson is the head of the research department at the Federal Broadcasting Network, a career woman in a position of power who’s shown in many instances throughout the movie to be damn good at her job. When Tracy’s Richard Sumner, an efficiency expert, shows up to evaluate how the department would function with a computer [in 1957!], he and Bunny predictably butt heads, but their chemistry is undeniable [aided obviously by the fact that Hepburn and Tracy had a 26-year relationship in real life]. It’s hard to believe that a movie about a woman whose work comes first, that stars a 50-year-old actress,actually passes the Bechdel test and prominently features a computer was actually made in 1957, but we’re so glad it was. —Bonnie Stiernberg

92. Boy Meets Girl [2014]

Director: Eric Schaeffer

A small-town Kentucky teen trying to find the “one” gets caught in a sexually confusing, but totally endearing love triangle in Eric Schaeffer’s Boy Meets Girl. Ricky is a town beauty, known for her outspokenness, wit, fashion sense and being trans. When the equally beautiful Francesca arrives in town for her engagement, she’s drawn to Ricky’s charismatic nature. The connection begins as a simple and effortless friendship, but both girls find their mutual interests and understandings quickly morph into something more. The budding relationship gets complicated when Ricky’s best friend becomes jealous, and Francesca’s fiancé finds out. As Ricky balances falling in love and making her dreams come true, she finds that the “one” thing she’s been looking for is right in front of her. We tend to unconsciously politicize transgender films, but Boy Meets Girl dodges that bullet entirely. The film’s ability to be nothing but a sincere romance with a dash of quirky humor makes it a stand out. From having the “sex talk” with your best friend to your first time with the town’s beautiful newcomer, Boy Meets Girl celebrates the frivolity and fragility of young love and young dreams. At the same time, Boy Meets Girl doesn’t shy away from its main character’s identity, instead using it as a lens to explore just how over-complicated it can all be. In the end, Schaeffer’s film is a touching, sweet and fearless portrayal of women falling in love. —Abbey White

91. Love, Simon [2018]

Director: Greg Berlanti

Love, Simon is the latest entry in the fairly minuscule collection of movies geared towards young LGBTQ people, but it’s in how main character Simon [Nick Robinson] self-actualizes which seems to establish the film firmly in the present. The ironies of Simon’s very liberal family, accepting friends, etc. are no match for deeply rooted anxiety and a proclivity to want to create some sort of identity online, a version of himself only he and one other, his anonymous pen pal Blue, can know. Love, Simon was not the first queer teen movie [though it was being touted as if it was], and it was not even the first queer film to explore digital identities, but the film is nonetheless of interest because of the way that it uses digital spaces to project who Simon wants to be and and what Simon wants gay desire to look like. Simon, brusquely masc-performing and part of a dream middle class family, can exist as an ostensibly more honest version of himself in the digital realm, while writing to an anonymous person named Blue, whom he found by way of a “confessions”-like blog. Love, Simon’s connection to You’ve Got Mail is crucial because of how it articulates the line between artifice and authenticity: Simon, and Blue for that matter, are no less honest for carving out an identity online in which they feel safe enough to reveal an “authentic” part of themselves. The internet has evolved rapidly since Nora Ephron’s film, but the same rules apply. Love, Simon is one of a few very recent queer films that has its protagonist use the internet to imagine who they could be, or who they think they should be. For Simon and Blue, an email thread can be the queer space they need to explore what “being yourself” really means. —Kyle Turner

90. Họ đã đến với nhau [2014]

Giám đốc: David Wain David Wain

Họ đến với nhau là đạo diễn David Wain, một cách vô lý vui vẻ, cư xử xuất sắc của những bộ phim hài lãng mạn. Michael Showalter, Wain Showliter, người đồng sáng lập có cấu trúc cơ bản của một rom-com điển hình và cố ý lấp đầy nó bằng các chi tiết mơ hồ, mơ hồ để lộ ra rất nhiều bộ phim tương tự chỉ tuân thủ một công thức sơn bởi những người đăng ký, hy vọng sẽ trích xuất một số Mức độ quyến rũ trong số các diễn viên nóng bỏng nhưng có thể truy cập và kỳ quặc. Kịch bản của họ đòi hỏi những người dẫn đầu không đáng yêu nhưng đáng yêu của chúng tôi [Amy Poehler và Paul Rudd, có một vụ nổ khi họ cốc cho máy ảnh] bị thu hút với nhau sau khi giới thiệu bắt buộc trong đó họ coi thường nhau. Điểm chung của từ tính của họ: cả hai đều thích những cuốn sách tiểu thuyết. Giả mạo cắn này đầy những cuộc đào như thế này, từ sự sáo rỗng đáng ghét của thành phố New York là một nhân vật thứ ba trong câu chuyện, đã lặp lại 20 lần một thứ gì đó về cách đối thoại chỉ ra cách mỗi nhân vật bạn thân phù hợp . Trái ngược với bộ phim của Wain Wain và Showalter, Wet Hot American Summer, thể hiện mối quan hệ rõ ràng của bộ đôi đối với những bộ phim mà họ đã xiên RE là người có ý nghĩa hoặc chỉ trung thực về những bộ phim mà rõ ràng họ đã xem rất nhiều. CấmKtay Ege Kozak

89. Chalti Ka Naam Gaadi [1958]

Giám đốc: Satyen Bose Satyen Bose

Với định dạng ban đầu của họ để bao gồm tất cả các thể loại trong một bộ phim kéo dài ba giờ, sự kết hợp, hài kịch, hành động, kịch, bi kịch, đó là một điều bất thường khi tìm thấy cả sự lãng mạn và hài kịch trong nhiều bộ phim Bollywood. Tuy nhiên, Chalti Ka Naam Gaadi là một trong những bộ phim tiếng Hindi đầu tiên tập trung vào một bộ phim hài và góc lãng mạn, với bộ phim và hành động có nhiều hơn một cuộc đua ngược trong cốt truyện uốn khúc. Trên thực tế, Chalti Ka Naam Gaadi cũng đã được mô tả là phiên bản Bollywood của một bộ phim hài của Marx Brothers. Câu chuyện liên quan đến ba anh em Brijmohan, Jagmohan và Manmohan, người điều hành một cửa hàng sửa chữa ô tô, do ba anh em thủ vai ngoài đời thực: Ashok Kumar, Anoop Kumar và Kishore Kumar. Sau khi bị hất cẳng trong tình yêu, Brijmohan khuyên các em trai mình không bao giờ tin tưởng phụ nữ. Nhập vào Damsel-in-Mission Renu, do Madhubala phát sáng, người có chiếc xe bị hỏng trong một đêm bão tố. Manmohan sửa chữa chiếc xe của cô ấy, và cặp đôi yêu nhau. Nhưng những vấn đề phát sinh khi cha của Renu, không biết về sự quan tâm của Renu, đối với Manmohan, được tiếp cận bởi nhân vật phản diện Raja Hardayal Singh, người muốn anh trai Prakashchand kết hôn với Renu. Hóa ra các kho bạc Hoàng gia Singh, trống rỗng, và đây là một trong nhiều kế hoạch của ông để có được sự giàu có. May mắn thay, Manmohan và anh em của anh ta can thiệp, và sau một trận đấu quyền anh, ba anh em được kết hợp với tình yêu của họ. Chalti Ka Naam Gaadi có các bài hát kinh điển được ngân nga cho đến ngày nay, bộ phim hài slapstick và hóa học xuất sắc giữa các diễn viên chính. TiếtParita Bhandari

88. Thiếu tá và trẻ vị thành niên [1942]

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Cái nhìn của nam giới có một con mắt lười biếng! Bộ phim người Mỹ đầu tiên của Wilder, có một cách hạ cánh thấp, nếu không phải là cuối cùng, trên rất nhiều danh sách, chỉ định rằng vì bất kỳ lý do gì, nó đã trải qua và bị hiểu lầm khá. Một bộ phim hài táo tợn, lật đổ, chơi với nam giới không có khả năng đối với những người phụ nữ, người phụ nữ, các ngôi sao lớn và những ngôi sao nhỏ là Rogers không thể bắt chước được trong vai Susan Applegate, một người trẻ Iowan chán nản với sự hối hả trong việc hạ bệ công việc ở thành phố New York. Khi cô đến Grand Central để bắt một chuyến tàu về nhà, cô phát hiện ra giá vé đã tăng lên và cách duy nhất cô có thể lên tàu là với một vé trẻ em nửa giá. Cô ấy cải trang, bản thân mình là một người mười hai tuổi và Shakespearean nhầm lẫn-nhận dạng người khác xảy ra, đặc biệt là khi cô ấy tình cờ gặp chiếc xe ngủ của Thiếu tá Philip Kirby [Ray Miland], người thấy mình phải đưa anh ấy trở lại với anh ấy Học viện nơi anh làm việc. Nhờ có con mắt của anh ấy, anh ấy bằng cách nào đó, anh ấy đã không nhận thấy Sue-Sue là một người phụ nữ trưởng thành, vì vậy anh ấy hơi không bị ảnh hưởng bởi sự hấp dẫn không phù hợp của anh ấy với cô ấy. Ném vào một vị hôn thê độc đoán gớm ghiếc, em gái nhà khoa học vô nghĩa của cô và một vài trăm chàng trai sừng sỏ trong vương giả quân sự [và tất nhiên, một chuỗi khiêu vũ xuất sắc], và bạn đã có một trò hề với trái tim, dí dỏm và gấp mười lần so với Sự tinh tế của những người được công nhận nghiêm trọng hơn một số người thích nó nóng bỏng. Nó đã được nói trước đây và nó đúng ở đây: Ginger Rogers có thể làm mọi thứ mà các đồng nghiệp nam của cô ấy có thể. Lạc hậu, và đi giày cao gót. Hoặc trong trường hợp này, giày yên ngựa. Glynn Glynn

87. Hôm qua [2019]

Director: Danny Boyle

A struggling musician named Jack [Himesh Patel], still barely hanging onto his passion in life thanks to the unwavering support and encouragement from his best friend/manager Ellie [Lily James], gets hit by a bus and is knocked out on the night when all power mysteriously gets cut off across the globe for a minute. He wakes up in the hospital to a new reality where The Beatles never existed, and he’s the only one on the planet who remembers their songs. By introducing the world to John, Paul, George and sometimes Ringo’s genius, he becomes an overnight sensation as the greatest songwriter of all time. Thus is Yesterday’s high-concept comedy/musical premise. But it’s also a testament to how not only The Beatles, but great art in general, enriches the human soul and makes us grateful to be alive. While many might assume the introduction of The Beatles’ greatest work into a virgin universe would result in widespread acceptance, writer Richard Curtis and director Danny Boyle have a lot of fun with how the modern world would react to the songs and would tweak them to fit the times. The film is chock full of astute humor about, say, who the hell Sergeant Pepper is or how “Hey Dude” makes more sense than “Hey Jude.” [Thankfully, the “I used to beat my girlfriend” lyric from “Getting Better” isn’t mentioned.] While Curtis’ attention to character keeps us emotionally engaged, Boyle’s manic editing and quirky visual choices, such as names of locations floating around the frame, propels the story forward like a well-oiled narrative machine. With her effortless charisma and magnetism, Lily James proves herself to be a formidable rom-com star. Himesh Patel certainly fits Curtis’ archetype of melancholic and self-deprecating male protagonists, but also leaves a strong impression with his beautiful singing voice and stage presence. If it accomplishes nothing else, Yesterday lets us relive the grandiosity of The Beatles as if it’s our first time. A fab accomplishment indeed. —Oktay Ege Kozak

86. Obvious Child [2014]

Director: Gillian Robespierre

Above all else, Obvious Child is a compassionate film. That might strike pro-life viewers as odd, even offensive, to say since this romantic comedy-drama features a main character getting ready to have an abortion. But in its modest, clear-eyed way, director and co-writer Gillian Robespierre’s feature debut goes beyond the issue’s moral implications to present a realistic, sensitive portrayal of how one young woman makes her decision to terminate her unwanted pregnancy. That the movie also manages to be funny and incredibly sweet is a small marvel. Obvious Child stars rising comic actress Jenny Slate as Donna, a struggling standup in New York. A few years shy of 30, Donna hasn’t quite gotten the hang of anything yet in her life—not her career and not her relationship. [In fact, as the film opens, she walks off stage from a small Brooklyn club to discover that her boyfriend is leaving her for her friend.] Thrown into depression, Donna alternates between stalking her ex and trying to turn her misery into standup material. But it’s not until she meets a wholesome, handsome guy named Max [Jake Lacy] at the club that she can see a possibility for new love—a vision that’s complicated by the fact that she gets pregnant after their one-night stand. Obvious Child seeks to rethink the typical twenty-something romantic comedy. The setup is almost a parody of the scenario usually visited upon a sad-sack protagonist: Not only does Donna lose her boyfriend, she also discovers her job is ending, leaving her in a state of total limbo. But Robespierre upends those conventions with the serious development at the film’s center. Obvious Child isn’t blind to the fact that abortion is the closing of a door and the ending of a possible life, but it’s grownup enough to assume that adults can watch one woman’s journey toward terminating a pregnancy and recognize the emotional intricacies that go into that decision. Touching on a red-hot issue, Obvious Child is agreeably gentle, and even wise. —Tim Grierson

85. Beginners [2011]

Director: Mike Mills

Christopher Plummer is absolutely smashing as Hal, a man coming out late in life after the death of his wife, Georgia [Mary Page Keller]. With intentions of being not a “theoretical” gay but a “practical” one, he dives headfirst into the queer world available to him by immersing himself in both gay politics and in the affections of a much younger lover. In a later timeline, his son Oliver [Ewan McGregor] grieves his mother’s death while also conducting a playful love affair with a complicated young French actress, Anna [Melanie Laurent]. Told in flashbacks from the 1930s up to 2003, Beginners demands total concentration from the viewer. Director Mike Mills’ smart, stylized take on Los Angeles modern style is a treat to behold, and each frame is visually captivating. The film is particularly strong as a narrative of coming to grips with one’s true identity. For Hal, this means coming out as both a gay man and as a bit of a partier; for Oliver, this means finally growing out of an extended adolescence and understanding how to love someone else even when loving is painful. For queer people, many of whom end up experiencing both of these realities, the film will particularly hit home. Beginners deserves to be recognized as a classic of queer cinema. —Nick Mattos

84. Scott Pilgrim so với thế giới [2010]

Giám đốc: Edgar Wright Edgar Wright

Theo nhiều cách, tất cả các bộ phim của Edgar Wright đã là những bộ phim hài lãng mạn trong một số thời trang. Shaun of the Dead chỉ tình cờ có zombie và nóng bỏng tình cờ có hai con đực là sự dẫn dắt lãng mạn của nó. Theo cách này, Scott Pilgrim so với thế giới có lẽ là nỗ lực rõ ràng nhất của Wright, trong một bản rom-com. Câu chuyện đề cập đến một tình huống quá quen thuộc trong thế giới mối quan hệ mà đối phó với đối tác lãng mạn của bạn, hành lý lãng mạn trong quá khứ. Tuy nhiên, để diễn giải những lời riêng của Scott Pilgrim, hành lý tình cảm này [tức là, bạn gái của anh ta là bạn trai cũ của anh ta] đang tích cực cố gắng giết anh ta cứ sau 30 giây. Cũng giống như trong một vở nhạc kịch, nơi các nhân vật bắt đầu hát khi cảm xúc chạy quá cao, Scott Pilgrim đã ra mắt các cuộc đấu tay đôi theo phong cách trò chơi điện tử bất cứ khi nào xung đột cảm xúc xuất hiện. Tăng cao như Scott Pilgrim có vẻ như đôi khi, tất cả các âm thanh của nó đều quá đáng tin cậy. —Cark Rozeman

83. Vô giá [2008]

Giám đốc: Pierre Salvadori Pierre Salvadori

Trong vô giá [thường được so sánh với bữa sáng tại Tiffany,], Audrey Tautou đóng vai Irène, một thợ đào vàng đẹp, nguy hiểm và không công bằng nhất ở Riviera của Pháp. Những kế hoạch được đặt ra tốt nhất của cô bắt đầu trở nên tồi tệ khi cô phát triển tình cảm với một người đàn ông có phương tiện trung bình. Thay vì hẹn hò với anh ta, cô ấy huấn luyện anh ta để trở thành một kẻ cơ hội của người Hồi giáo. Trong thời trang rom-com thực sự, một loạt các cảnh vô lý mở ra với một bài học quan trọng trong tình dục theo cách quan trọng Nhiều thứ phải tiếp tục, cô ấy khuyên chắc chắn, thì cực kỳ hiệu quả. Irène có rất ít chiều sâu, và điều tương tự có thể được nói về bộ phim, nhưng nó khá rõ ràng rằng đó là điểm. Tautou là một người đàn ông chân thực, mặc gucci, fatale đến nỗi nó khó khăn để đơn giản là ghê tởm cô ấy. Cô ấy, như thường lệ, chân thành trong việc giao hàng của cô ấy ngay cả khi cô ấy đang cung cấp một nhân vật hời hợt chân thành. Cô ấy cũng đóng vai một người say rượu có sức thuyết phục đáng kinh ngạc, mà một số nữ diễn viên xuất sắc nhất trong thời đại của chúng tôi [Ahem, Kate Winslet, Ahem] đã không thể thực hiện được. CấmShannon M. Houston

82. Hôn Jessica Stein [2001]

Giám đốc: Charles Herman-Wurmfeld Charles Herman-Wurmfeld

Những năm 90 và 00 00 00 là một sự phục hưng cho các miêu tả điện ảnh về các mối quan hệ LGBT+ với tư cách là nhà sản xuất và hãng phim bắt đầu thấy sự đói khát thực sự đối với các đại diện của niềm vui, nỗi buồn, căng thẳng và sức nóng đi kèm với một sự thay đổi hoặc hợp tác. Và một sự hiểu biết rằng một đối tượng chéo cho họ là có thể, vì phòng vé trị giá 10 triệu đô la của nó được tiết lộ. Một trong những bộ phim hay nhất xuất phát từ làn sóng mới này là bộ phim chân thành và ngọt ngào này, được đồng sáng tác bởi các ngôi sao của nó Jennifer Westfeldt và Heather Juergensen. Đó là một câu chuyện đơn giản về hai người phụ nữ có cơ hội trong một mối quan hệ trong khi cố gắng điều hướng các phản ứng của bạn bè và gia đình kể từ đó, cho đến lúc đó, họ chỉ hẹn hò với những người đàn ông. Nó có một tác phẩm cân bằng hoàn hảo mà không làm giảm thông điệp của mình bằng cách trở thành một tiếng cười vang dội hoặc bằng cách cho những người phụ nữ đối mặt với dây và mũi tên của homophobia. Hamrobert Ham

81. Ca sĩ đám cưới [1998]

Giám đốc: Frank Coraci Frank Coraci

Hai mươi năm bị loại bỏ, tầm nhìn của Frank Coraci về giữa thập niên 80 bằng cách của văn hóa pop và văn hóa pop từ cuối thập kỷ đó hơn là một kỷ niệm rõ ràng về những gì đang thực sự xảy ra, nhưng tất cả Tốt hơn là để đưa ra những bức tranh biếm họa phổ biến của Adam Sandler trong một vai trò dịu dàng phù hợp nhất với sự kỳ lạ của em bé tự nhiên của mình. Những gì Happy Gilmore và Billy Madison đã làm cho Sandler's Stop nhìn tôi, giọng ca của Swan, ca sĩ đám cưới đã làm cho mọi khía cạnh khác của diễn viên truyện tranh, không chỉ giảm thiểu tất cả những điều đó trong quá khứ cậu bé Dipshittery, mà còn chứng minh rằng anh ta có thể là một người im lặng, Người đàn ông hàng đầu đáng yêu, một nhân cách mà anh ấy tiếp tục trau dồi những bộ phim hay nhất của anh ấy [đáng chú ý là tình yêu say rượu và những câu chuyện Meyerowitz]. Câu chuyện về người crooner trong nhà của một phòng tiệc, Robbie Hart [Sandler], phải chịu đựng một trái tim tan vỡ [như tên của anh ta!] Để tìm đường đến cô gái thực sự trong giấc mơ của anh ta [Drew Barrymore, đồng thời là người có -Com đánh bại một cách thẳng thắn, gần như không thể không thấy thứ này đang đi đâu, nhưng bia cực kỳ của nó siêu dữ liệu và siêu thực, cũng như sự vui nhộn không thể của Sandler, phục vụ thể loại này rất đẹp. Bộ phim chỉ có sự linh tinh rõ ràng là sự tham gia lặp đi lặp lại của người bạn cùng tên của Robbie, George [Alexis Arquette], người điều hướng một cuộc tấn công của khán giả la ó mỗi khi anh ấy hát câu lạc bộ văn hóa, bạn có thực sự muốn làm tổn thương tôi không? Kể từ khi bộ phim diễn ra vào năm 1985, bài hát đã được chứng nhận trong hơn hai năm. Khán giả của cuộc nổi dậy là một trò đùa giá rẻ hơn là một thực tế văn hóa, một trò đùa đã nhớ sai từ một lịch sử được sản xuất, giống như phần lớn những năm 80 của ca sĩ đám cưới, như ngày nay như năm 1998.

80. Palm Springs [2020]

Giám đốc: Max Barbakow Max Barbakow

Hãy tưởng tượng sống cùng ngày của cuộc đời bạn nhiều lần, bị mắc kẹt trong vòng một giờ rưỡi của Los Angeles nhưng gần gũi gần gũi trong thiên đường Paradise, đến nỗi ổ đĩa không đáng có nhiên liệu. Bây giờ hãy tưởng tượng rằng, hơn và vượt ra ngoài một con số mà tâm trí con người có khả năng đánh giá cao. Paradise trở thành một địa ngục ướt đẫm mặt trời, một nơi chịu đựng và không bao giờ trốn thoát, nơi những chiếc phao hồ bơi pizza đang tiết kiệm các thiết bị tra tấn và chứng nghiện rượu là một lợi ích thay vì một căn bệnh. Vì vậy, Max Barbakow từ Palm Springs. Bộ phim không bao giờ ngừng hài hước, ngay cả khi tâm trạng suy thoái từ những khoảng thời gian tốt đẹp đến sự thất vọng. Đây là chìa khóa. Ngay cả khi bữa tiệc kết thúc và thực tế của kịch bản chìm vào các nhân vật của mình, Palm Springs vẫn tiếp tục bắn những trò đùa với một clip ổn định, chỉ bây giờ họ có trọng số phù hợp cho một bộ phim về hai người đã cam chịu duy trì mô hình giữ cho ai đó Ngày hạnh phúc nhất của người khác. Không có gì giống như một vòng thời gian thời trang ol tốt để buộc mọi người bị mắc kẹt trong trung lập để có được hồi tưởng về tình trạng cá nhân của họ.

79. Bull Durham [1988]

Giám đốc: Ron Shelton Ron Shelton

Tôi tin vào những cái tên lố bịch như Crash Davis và Nuke Laloosh. Tôi tin vào những bộ phim hài lãng mạn về việc từ bỏ một giai đoạn nhất định của cuộc sống của bạn, nơi các nhân vật đứng lên và đưa ra những bài phát biểu sáo rỗng, tôi tin rằng, mặc dù là đường biên giới, bằng cách nào đó hoàn toàn đúng. Và vâng, tôi cũng tin rằng nên có một sửa đổi hiến pháp cấm Astroturf và người đánh thuê được chỉ định. Tôi tin vào Bull Durham. Bài thuyết trình hấp dẫn nhất về cuộc sống giải đấu nhỏ trên phim và một tiếng chào khá lớn với bóng chày, nói chung, phần đầu tiên này trong bộ ba bóng chày Kevin Costner không chính thức đã chứng minh rằng bóng chày có thể bằng phòng vé lớn. Costner và Susan Sarandon neo bộ phim này làm phần của nó để tạo ra một tình yêu cho trò chơi và những người nói điều đó. CấmBonnie Stiernberg & Michael Burgin

78. Trong khi bạn đang ngủ [1995]

Giám đốc: Jon Turteltaub Jon Turteltaub

Trong khi bạn đang ngủ, một bộ phim hài lãng mạn trong chế độ bóng chày, là không thể không thích, một sự nổi bật của thể loại giữ hơn hai thập kỷ sau khi phát hành. Tốt bụng hơn người bạn thân nhất của tôi, đám cưới của tôi và có căn cứ hơn là trở về với tôi, bộ phim biến một âm mưu của Daffy thành một thứ gì đó cảm động và có thể xem được. Phần lớn sự hấp dẫn của bộ phim có thể được quy cho màn trình diễn của Sandra Bullock, là Lucy, một nhân viên CTA cô đơn, người đã chuyển đến Chicago với người cha ốm yếu của cô, giữ cho tương lai của cô và không bao giờ trở lại với nó khi anh qua đời. [Mô tả nhân vật đó một mình là đủ để khiến bộ phim này khác biệt với rất nhiều bộ phim hài lãng mạn của luật sư mạnh mẽ lên trong tình trạng hôn mê. Gia đình anh ấy [bao gồm một số diễn viên nhân vật thú vị] cho rằng cô ấy là chồng sắp cưới của anh ấy, đã nhận nuôi cô ấy như một trong những người của họ, nhưng tất nhiên cô ấy đã yêu người anh em nội thất của Peter, anh ấy ]. Bên cạnh sự tập trung vào EL và cuộc sống với tư cách là một nhân viên CTA [Tôi ngồi trong một gian hàng như một con bê, thì Lucy Lucy], bộ phim giới thiệu sự thật nhưng thực tế của Chicago vào Giáng sinh, từ Lucy kéo một cái cây lên Đến căn hộ của cô ở Quảng trường Logan, để khám phá Pad của Peter trên Hồ Shore Drive, để đi bộ đóng băng với Jack qua sông Chicago, luôn nhanh chóng khai thác khả năng tát của Chicago Cold. MạnhMaura McAndrew

77. Một số loại tuyệt vời [1987]

Giám đốc: Howard Deutch Howard Deutch

Một cách không xứng đáng trong bóng tối của Pretty in Pink [có lẽ là do sức mạnh của ngôi sao nhỏ hơn và một bản nhạc âm kém hơn được thừa nhận], một loại tuyệt vời là một cách tuyệt vời hơn và phiên bản sắc thái hơn của Hughes liên tục. sự phân tầng của lớp và đặc quyền. Keith [Eric Stoltz] là một đứa trẻ thuộc tầng lớp lao động nghiêm túc, muốn trở thành một họa sĩ và cha của họ rất, rất quyết tâm rằng anh ta có được một nền giáo dục đại học. Anh ấy đã phải lòng cô gái A-List này tên là Amanda Jones [Lea Thompson], người đã vượt qua bộ phim cho câu lạc bộ đồng quê nhưng thực sự cũng đến từ phía sai của đường ray. Người bạn Tomboyish của Keith, Watts [Mary Stuart Masterson] đang yêu Keith, người cực kỳ mù quáng cho một người có con mắt họa sĩ. Cô đồng ý giúp Keith dành toàn bộ tiền tiết kiệm đại học của mình vào một cuộc hẹn hò hoàn hảo với Amanda, với kết quả đáng ngạc nhiên. Rất nhiều bộ phim của Hughes chủ yếu là lông tơ, nhưng hầu hết trong số họ có ít nhất một khoảnh khắc tuổi teen cực kỳ tuyệt vời: trong trường hợp này, nó là cảnh thực sự hấp dẫn, nơi Watts nhắc nhở Keith rằng anh ta cần hôn và tự cung cấp cho mình công việc. Glynn Glynn

76. Dilwale Dulhaniya Le Jayenge [1995]

Giám đốc: Aditya Chopra Aditya Chopra

Thường được gọi đơn giản là DDLJ, bộ phim này được cho là đã bắt đầu Shah Rukh Khan trên con đường của anh ấy đến siêu sao cuối cùng. Ngay cả ngày nay, các nữ diễn viên Bollywood có xu hướng đóng vai trò thứ hai với các đồng nghiệp nam của họ, vì vậy Kajol [người có tên đầu tiên của cô] chưa bao giờ hoàn toàn có được vinh quang. Tuy nhiên, thật công bằng khi nói rằng DDLJ đã thay đổi trò chơi cho các bộ phim Rom-com Hindi. Hai mươi năm, các bộ phim Bollywood tiếp tục gọi DDLJ như một mẫu mực của sự lãng mạn, với các diễn viên trẻ đang cố gắng tạo lại các phiên bản Raj và Simran của riêng họ. Đặt một phần ở London và một phần ở Punjab, Ấn Độ, DDLJ là một trong những bộ phim đầu tiên nhắm mục tiêu cụ thể một khán giả diasporic Ấn Độ với một câu chuyện đúng với các truyền thống Ấn Độ như tôn trọng người lớn tuổi của bạn, đồng thời ủng hộ những người yêu trẻ tuổi theo trái tim của họ . Chiến thắng nghịch cảnh! Raj và Simran đã vô tình gặp nhau trong một chuyến tàu trên khắp châu Âu. Sau một vài cuộc đối đầu dễ thương, tia lửa bay giữa hai người. Nhưng cha Simran, đã hứa với một người bạn con trai ở Punjab. Khi tình yêu tình yêu của con gái mình dành cho Raj, anh ta bay trong một cơn thịnh nộ và ngay lập tức gói túi gia đình cho một chuyến bay đến Ấn Độ và một đám cưới nhanh chóng. Raj theo Simran với ý định hỏi cha cô cho bàn tay Simran, trong hôn nhân. Anh kết bạn với chú rể tương lai, và dần dần chiến thắng tất cả các thành viên trong gia đình với những kẻ lừa đảo của mình. Nhưng liệu anh ta có thể thuyết phục được người cha nghiêm khắc của Simran không? Một bản nhạc hit, hình ảnh đáng yêu của Ấn Độ và nước ngoài, và một cặp vợ chồng hàng đầu đã lôi cuốn vào khán giả của nó, tất cả đều góp phần vào DDLJ được đưa vào tất cả các loại danh sách Bollywood. TiếtParita Bhandari

75. Jeffrey [1995]

Giám đốc: Christopher Ashley Christopher Ashley

Dựa trên một vở kịch cùng tên, được viết bởi Paul Rudnick, mảnh nhỏ quyến rũ và dí dỏm này theo dõi những nỗ lực của tính cách chính thức của nó [Stephen Weber] khi anh ta cố gắng, ở đỉnh cao của cuộc khủng hoảng AIDS, để tránh mọi mối quan hệ, tất cả các mối quan hệ, tình dục hoặc cách khác. Nhưng khi cuối cùng anh ta cũng tìm thấy một đối tác tiềm năng dưới dạng một HIV+ Gent [Michael T. Weiss] dễ thương, Jeffrey, bức tường xây dựng một cách khéo léo bảo vệ anh ta khỏi thế giới bắt đầu sụp đổ. Mặc dù nó đóng một số mối quan tâm rất nghiêm trọng cho tiếng cười, bộ phim không ngại ngùng trước thực tế cay đắng về việc có bao nhiêu người đã bị đưa ra khỏi thế giới do AIDS. Nó cũng phục vụ như một lời nhắc nhở về lý do tại sao tìm kiếm sự kết nối và tình cảm trong khuôn mặt của các thử nghiệm như vậy là rất quan trọng. Thêm vào đó, như với tất cả các tác phẩm của Rudnick, bộ phim chứa đầy đoạn hội thoại sắc sảo, sắc sảo, được xử lý bởi một dàn diễn viên chiến thắng bao gồm một số tác phẩm hỗ trợ thú vị từ Sir Patrick Stewart, Nathan Lane và diễn viên Mad Men Future Men Bryan Batt. Hamrobert Ham

74. 10 điều tôi ghét về bạn [1999]

Giám đốc: Gil Junger Gil Junger

Lấy cảm hứng từ William Shakespeare, The Taming of the Shrew, bộ phim hài tuổi teen năm 1999 đặt Katherina và Petruchio vào thời hiện đại như nữ quyền Kat và Bad Boy Patrick, vai trò đột phá của Julia Stiles và Heath Ledger. . Để đưa em gái ra, Bianca. Ledger chiến thắng Kat và phần lớn dân số nữ trong buổi biểu diễn sân vận động diễu hành của anh ấy của Frankie Valli Hồi có thể đưa tôi rời mắt khỏi bạn. Mặc dù Kat tức giận khi tìm hiểu về thỏa thuận hình thành mối quan hệ của cô, nhưng cái gọi là Shrew có thể vẫn phát điên quá lâu sau khi nhận được lời xin lỗi chân thành và guitar hoàn toàn mới từ Beau Úc. Với số lượng hoàn hảo của những năm 90 vô nghĩa, bộ phim kết thúc bằng thư cho Cleo thực hiện hoàn hảo một cách hoàn hảo Trick, tôi muốn bạn muốn tôi trên mái nhà của trường trung học Padua. Sọstephanie sắc nét

73. Roxanne [1987]

Giám đốc: Fred Schepisi Fred Schepisi

Vì tôi sợ giun, Roxanne! Giun!" Rom-com của Steve Martin, những năm80 đã không chỉ là trò chơi của Edmond Rostand, Cyrano de Bergerac, nó cũng là một mô tả hài hước về những gì sẽ xảy ra là mọi người có thể thực hiện cuộc sống lãng mạn của họ như thể họ là những trò chơi điện thoại khổng lồ. Roxanne là một trong những bộ phim hài thông minh dường như dễ dàng cân bằng phức tạp, thường là chủ đề nghiêm túc về sự hấp dẫn lãng mạn, lòng tự trọng, trí thông minh và nghệ thuật trò chuyện với những trò chơi vui nhộn, hài kịch thể chất và những trò đùa. Ngay cả các nhà phê bình phim mang tính biểu tượng Gene Siskel và Roger Ebert cũng đồng ý về bộ phim hài lãng mạn này tuyệt vời như thế nào, bình luận về sự sủi bọt của nó và khả năng Martin Martin để lấy câu chuyện về Cyrano de Bergerac và thành công của riêng mình. Thêm vào đó, bạn có thể giúp đỡ nhưng mỉm cười mỗi khi mũi chân giả Martin xuất hiện trên màn hình. CấmAnita George

72. How Stella Got Her Groove Back [1998]

Director: Kevin Rodney Sullivan

Twenty years after Stella met Winston in Jamaica, and we’re still routinely bombarded with films where 40-year-old men are in relationships with 20-something women, and no one bats an eye. And, of course, the reverse is hardly ever depicted. Stella Payne’s story—that of a successful stockbroker in her 40s who finds a 20-year-old boy toy [turned genuine romantic interest]—would be a wonder to see on screen today. But it was never meant t ok be an especially complicated movie. The premise is simple, the setting is gorgeous and the cast is perfect. You can’t really beat Angela Bassett and Taye Diggs mingling and making love under the sun in Montego Bay. But it’s important to note that the movie also succeeds as a portrait of friendship [and also grief], with Whoopi Goldberg as Stella’s best friend, accomplice and life saver, Delilah. The movie was not without its flaws [including a very Hollywood ending] but, as Hollywood continues to pay itself on the back for all its strides in diversity [completely ignoring issues like colorism and ageism], ask yourself—when’s the last time you saw a dark-skinned woman over 35, falling in love with a dark-skinned man, whilst her dark-skinned girlfriend cheers her on? How Stella Got Her Groove Back is a marvel, and a reminder that, in so many ways, the ’90s were good to us. —Shannon M. Houston

71. Notting Hill [1999]

Director: Roger Michell

Like most good romantic comedies, everything about Notting Hill is an absolute dream: Oh, you’re a world-famous American actress, wealthy and beloved by millions? Neat. And you’re staying in one of the most beautiful neighborhoods in London [one of the most beautiful cities in the world]? Super cool. But oh no! You collide with a guy in the street, and he spills orange juice all over you! Life is ruined! But wait a second. He’s an adorable independent bookstore owner with a group of quirky friends [including a hilarious Rhys Ifans and a pre-Downton Abbey Hugh Bonneville] and a penchant for spitting out screenwriter Richard Curtis’ [Four Weddings and a Funeral, Love Actually] charming one-liners and the face of Hugh Grant, and this is your meet-cute. Anna [Julia Roberts] may “just be a girl, standing in front of a boy, asking him to love her” … but she’s a damn lucky girl. —Bonnie Stiernberg

70. Lars and the Real Girl [2007]

Director: Craig Gillespie

Lars and the Real Girl’s premise should have been cringe-worthy: Ryan Gosling dates a life-sized sex doll, and the entire town goes to great lengths to protect the fairy tale. But Nancy Oliver’s Oscar-nominated script is so gentle, and so melancholic, that it becomes a quietly powerful story of a stunted man who finally comes of age. Darkly funny but sweet-natured, Lars is a small treasure. —Jeremy Medina

69. About a Boy [2002]

Directors: Chris Weitz, Paul Weitz

No stranger to romantic comedies, Hugh Grant delivered perhaps his best performance ever in About a Boy, a different kind of rom-com. Through his relationship with a young teenager, Grant subtly transforms from notorious womanizer into, well, a man capable of loving the beautiful Rachel Weisz. Grant’s relationship with the boy is tender and thoughtful, much like the film itself. —Jeremy Medina

68. Shakespeare in Love [1998]

Director: John Madden

Shakespeare can be found throughout this list, as modern takes on his comedies abound, but Marc Norman and Tom Stoppard’s Oscar-winning original script puts the historical romance in romantic comedies, serving up a film that provides a rousing look at Elizabethan theater [and the characters who populated it] as it imagines the real inspiration for some of William Shakespeare’s early successes. Joseph Fiennes stars as the Bard and Gwyneth Paltrow as Viola de Lesseps in a film that is a treasure trove of references and mood for lovers of Shakespeare and of theater in general. [Its presentation of Romeo and Juliet is among the best film adaptations of the tragedy, even though it’s just in the background here.] But John Madden’s film is not just for Bardolators—the non-initiated will find the combination of Fiennes and Paltrow [and Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck and Judi Dench] and this tale of star-crossed love both joyous and heart-wrenching. They might also decide this Shakespeare guy is worth checking out. —Michael Burgin

67. But I’m A Cheerleader [1999]

Director: Jamie Babbit

In our current climate, it feels strange to have a gay conversion therapy camp serve as the backdrop for a love affair between two young women. Especially now that we know the devastating psychological effects that those practices can have on the people sent to be “changed.” But the core message of this late ’90s gem is clear: our LGBT+ brothers and sisters were born this way and they deserve love just as much as we do. Luckily for our heroine Megan [Natasha Lyonne], she finds that love with Graham [Clea DuVall], another kid sent by her parents to be converted to heterosexuality. Their connection and chemistry is immediate, given life by the understated and thoughtful performances by the two leads. —Robert Ham

66. Something Wild [1986]

Director: Jonathan Demme

Something Wild offers the odd-couple pairing of Charles Driggs [Jeff Daniels], a vice-president of a banking company living a comfortable existence in a Long Island suburb, and Audrey Hankel [Melanie Griffith], a free-spirited woman seemingly without attachments, but also with a lot of money at her disposal to fund her devil-may-care ways. At first introducing herself to Charles as Lulu, Audrey basically ropes this yuppie into following her on a bizarre road trip throughout a good part of the East Coast—an adventure that, true to genre form, encompasses everything from screwball comedy to violent thriller, with the tone often shifting on a dime. Certainly, Demme’s film lives up to its title just in the all-over-the-place story it weaves. But the film is more than just the sum of its deliberately disparate parts—especially because neither of these two characters can be easily pinned down as types. The first time we see Charles in the film, he’s walking away from a diner having not paid for his meal—an act he later justifies as his way of rebelling within the system. Whether that is in fact true or not, it’s nevertheless clear that he does have certain unruly impulses in him just itching to pop out—which naturally catches the eye of someone like Audrey, who has made such unruliness her life’s mantra. But Audrey isn’t simply the kind of character who would later become known as the “Manic Pixie Dream Girl.” Both Audrey and especially Charles do learn new things about themselves during this odyssey—but it’s not as simple as Audrey learning the dangers of her unfettered lifestyle and Charles becoming more of a bad-ass by embracing that same lifestyle. Instead of being about self-improvement, Something Wild is more about self-awareness: a realization of how complex human beings can be. —Kenji Fujishima

65. As Good as It Gets [1997]

Director: James L. Brooks

Jack Nicholson is not exactly the first person who comes to mind when you think romantic leading man. Certainly, when we first meet Melvin Udall, the mean-tempered, OCD-afflicted curmudgeon at the center of James L. Brooks’ As Good As It Gets, it’s clear he’s no Tom Hanks. That is, until he is one day forced to take care of his neighbor’s dog. This event serves as the catalyst for a poignant Scrooge-like transformation: More in touch with his feelings, Melvin soon grows close to the single-mother/waitress [Helen Hunt] at his favorite restaurant and, in the end, overcomes his self-centeredness and lets her know how highly he thinks of her. Cheesy? Yes. But damn if it doesn’t work. —Mark Rozeman

64. Splash [1984]

Director: Ron Howard

You know those moments when you unexpectedly discover you have crossed paths with a mermaid and suddenly you start wondering if that near-death experience you thought you had at Cape Cod when you were a kid miiiiiight have been something deeper and weirder? That! One of the first pictures to emanate from Disney’s spankin’ new Touchstone imprint [PG for mildly vulgar language?!] this mild-mannered, warm-hearted comedy, directed by Ron Howard, stars Tom Hanks as a lonely produce wholesaler and Darryl Hannah as the not-so-little Little Mermaid who saves him. From drowning. Literally, followed by figuratively. C’mon guys: metaphor! Aside from being credited with popularizing “Madison” as a name for girls, the film was a box office and critical success for its gosh-darned old-fashioned sweetness and for the great performances by Hanks and Hannah as well as classics from John Candy and Eugene Levy. Ron Howard is a natural at the Wistful School of Comedy and this film is a basically wall-to-wall feel-good. If you’re looking for a rom-com with sharp teeth, keep walkin’-but any fan of Tom Hanks as a rom-com lead needs to see this film. —Amy Glynn

63. Forgetting Sarah Marshall [2008]

Director: Nicholas Stoller

Following one of the standard romantic comedy tropes, a man [in this case played by Jason Segel] is tempted to chase the wrong girl [Kristen Bell], ignoring the soulmate [Mila Kunis] right in front him. But while we’d seen the set-up before, we’d seen nothing like Segal’s character Peter getting dumped while naked, Russell Brand as the lead singer for Infant Sorrow or Peter’s A Taste For Love Dracula-themed puppet-comedy-rock-opera. Everyone you’d expect [Jonah Hill, Paul Rudd, Kristen Wiig, Bill Hader] co-stars. —Josh Jackson

62. Pretty in Pink [1986]

Director: John Hughes

Let’s ignore the fact that she ends up with the wrong guy in the end [Team Duckie for life!] and examine what makes Pretty in Pink’s Andie so impossibly cool: She works in a record store and has killer taste in music. Her outfits are daring and incredible. She brushes off insults from evil richie-rich Steff [James Spader] like they ain’t no thang. She supports her deadbeat dad and essentially serves as head of their household. But most importantly, she’s the picture of courage, staying true to herself the whole way through and never changing to please Blane and his wealthy friends—and if there’s any single movie character teen girls should be modeling themselves after as they attempt to swim the treacherous waters of high school [and high school romance] without drowning, she’s the one. —Bonnie Stiernberg

61. Beauty and the Beast [1991]

Giám đốc: Gary Trousdale và Kirk Wise Gary Trousdale and Kirk Wise

Bộ phim hoạt hình đầu tiên được đề cử cho một bức ảnh hay nhất Oscar, Beauty and the Beast, cùng với The Little Mermaid năm 1989 và Lion King năm 1994, đã sáng tác phần cuối cùng của phim hoạt hình vẽ tay cổ điển trước khi Toy Story đưa ra hình thức một cách dứt khoát về phía Hoạt hình máy tính. Như với rất nhiều công chúa Disney, vai trò của người đẹp [do Paige O'Hara lồng tiếng] là tìm thấy hoàng tử của mình, nhưng cô ấy có một chút đá nữ quyền cho cô ấy, liên tục chôn mũi trong một cuốn sách, mơ ước thoát khỏi cuộc sống tỉnh của mình và Từ chối những tiến bộ của OAF Gaston [Richard White] đẹp trai. Khi cha cô, một nhà phát minh bình dị có nhân vật thiết kế của Albert Einstein, bị lạc trong rừng và tình cờ gặp một lâu đài đầy mê hoặc, cư dân của nó là một con thú khủng khiếp [Robby Benson]. Belle phát hiện ra cha mình bị giam cầm và đề nghị thay thế anh ta. Sự xuất hiện của cô ấy thật tình cờ, vì thời gian đang hết để đảo ngược lời nguyền đã khiến Beast trở nên Stiers], và một ấm trà tên là Bà Potts [Angela Lansbury]. Những người hầu say mê này âm mưu chế ngự con thú để anh ta yêu Belle, và cô ta với anh ta, do đó phá vỡ câu thần chú đã nhốt họ trong bric-a-brac. Các tác phẩm lớn của bộ phim là rất ly kỳ, đặc biệt là số lượng khách mời của chúng tôi là số của chúng tôi bởi Howard Ashman, người có lời bài hát vui nhộn có vẻ quen thuộc như ngày nay họ đã làm vào năm 1991, và Alan Menken, người có điểm số giành giải Oscar. Nếu bạn thích rom-com của bạn hoạt hình và nghiêng về âm nhạc, ngôi nhà của chuột cung cấp. Trò chơi Ellingson

60. Grosse Pointe Blank [1997]

Giám đốc: George Armitage George Armitage

Trong vai trò có thể đặt nền tảng cho Rob, Rom-com Mainstay John Cusack đóng vai Martin Q. Blank như một kẻ lôi cuốn một cách mơ hồ, mơ hồ, một cách mơ hồ, một cách mơ hồ. đang sống. Ngoại trừ: Blank là từ vùng ngoại ô Detroit giàu có mơ hồ của Grosse Pointe, điều đó có nghĩa là anh ấy là một trong nhiều người con trai trưởng thành lớn của Michigander, những người tiếp tục làm những việc mà không ai từng mong đợi ở họ. Trước cuộc suy thoái năm 2008, Hạt Oakland, một trong những quận xung quanh Detroit, một thành viên rất nổi tiếng của gia đình Metro Detroit, là một trong những quận giàu nhất tuyệt đối trong cả nước. Giống như Quận Cam Rich. Và dường như không ai thực sự nhớ rằng, trở lại vào năm 1997, khi các công ty xe hơi bị giết, không ai mong đợi nhiều từ Michigander. Grosse Pointe Blank là biểu tượng cho sự phức tạp giữa trẻ em trên toàn tiểu bang trong John Cusack, một cách triệt để, màn trình diễn giản dị, lập bản đồ sự phát triển bị bắt giữ trong một câu chuyện tình yêu kỳ quặc với bạn gái cũ Debi [Minnie Driver]. SINHDOM Sinacola

59. Moonstruck [1987]

Giám đốc: Norman Jewison Norman Jewison

"Chừa cái thói đó!" Một com-com với một sự nhạy cảm thực sự lãng mạn [loại vô vọng], Moonstruck là một bộ phim hài đáng yêu về cơ bản về cơ hội, gia đình và ý nghĩa của việc giải quyết. Góa phụ thực dụng Loretta [Cher] đồng ý kết hôn với một anh chàng hợp lý tốt bụng [Danny Aiello], nhưng sớm thấy mình trong một câu chuyện với em trai đam mê và thủy ngân Ronny [Nicolas Cage]. Cher sườn hài hước không đáng kể, và hóa học giữa cô và lồng là tuyệt vời. Bộ phim có rất nhiều người biểu diễn hỗ trợ tuyệt vời [có lẽ đáng chú ý nhất là Olympia Dukakis, người đóng vai mẹ Cher xông]. Sự nhạy cảm của đạo diễn của người Do Thái ở đây có thể không đủ điều kiện là nghệ thuật cao của Norman, nhưng đó là một bản rom-com tốt đẹp, với cuộc đối thoại kêu, hàng tấn năng lượng và những nhân vật đáng yêu thích tinh thần và thông minh và tâm hồn. Và một hình ảnh nhất định của Cher trong Opera Garb đá bia có thể lên một con đường Brooklyn im lặng mà người ta có thể được tha thứ vì đặc trưng là biểu tượng của Hồi. Glynn Glynn

58. Phù dâu [2011]

Giám đốc: Paul Feig Paul Feig

Không giống như The Hangover, về cơ bản là một bản phác thảo hài kịch dài, phù dâu thực sự là một bộ phim. Đây luôn là câu hỏi lớn khi nói đến phim hài. Nếu bạn khao khát tạo ra một trải nghiệm điện ảnh đầy đủ và có nguy cơ xuất hiện ngắn [những người gặp nạn đám cưới] hoặc bạn chỉ đơn giản là bắn vì những tiếng cười vô cảm không ngừng nghỉ và đạt được thành công hoang dã với thành tích ít siêu việt hơn [Anchorman]. Phù dâu rất vui nhộn, rạp chiếu phim hoàn chỉnh nhờ sự sáng chói của Kristen Wiig. Và nó có sức mạnh duy trì trong pantheon của bộ phim hài kịch điển hình. Càng chăm sóc

57. Bữa sáng tại Tiffany từ [1961]

Giám đốc: Blake Edwards Blake Edwards

Có thể khó khăn để bỏ qua sự phân biệt chủng tộc cực đoan của Mickey Rooney đóng vai một chủ nhà Nhật Bản trong tác phẩm kinh điển yêu dấu của Blake Edwards. Tuy nhiên, không ai có vấn đề gì với những người từ chối xem một bộ phim với một nhân vật như vậy vào năm 2018. Tuy nhiên, nếu bạn có thể nhìn qua những cảnh ngắn ngủi của anh ấy, bạn sẽ tìm thấy một bộ phim hài lãng mạn xứng đáng với danh tiếng mang tính biểu tượng của nó. Nó có tính năng Audrey Hepburn ở vị trí tốt nhất của cô ấy, và là lý do chính mà mỗi Anthropologie có đầy đủ các cuốn sách và bản in nghệ thuật về cô ấy. Nó là một bộ phim hài lãng mạn mà cả lãng mạn và hài hước [và, vâng, khá phân biệt chủng tộc]. CấmGarrett Martin

56. Đám cưới Hy Lạp béo lớn của tôi [2002]

Giám đốc: Joel Zwick Joel Zwick

Bản rom-com nhỏ độc lập có thể, Joel Zwick, đám cưới Hy Lạp Big Fat của My Big Fat là sự bất ngờ của năm 2002 nhờ một vai diễn vui nhộn, đáng yêu của văn hóa người Mỹ gốc Hy Lạp đã được nhìn thấy nhiều trên màn ảnh rộng. Nia Vardalos đóng vai Toula Portokalos, người có sự thành lập của gia đình cô, đã đính hôn với một người đàn ông không phải là người Hy Lạp. Cuộc đụng độ của các nền văn hóa là trung tâm của bộ phim hài hước và nguyên bản này dựa trên kịch bản được đề cử giải Oscar của Vardalos. CấmJosh Jackson

55. Bạn đã nhận được thư [1998]

Giám đốc: Nora Ephron Nora Ephron

Một số bộ phim chỉ là những minh chứng thuần túy cho sức mạnh của các nhân vật có thể tin được và hóa học màn hình đáng tin cậy, và Nora Ephron, bạn đã nhận được thư là một ví dụ điển hình. Không có gì đáng ngạc nhiên và không đáng kể về mặt nghệ thuật, nó vẫn kéo bạn vào với sự năng động của đối thủ tình nhân Jane Austen-esque và sự tốt bụng chung. Sự hợp tác rom-com thứ ba giữa Tom Hanks và Meg Ryan [và màn trình diễn không bị ảnh hưởng nhất của Ryan] là câu chuyện về sự kết hợp không thể tránh khỏi [chưa thể tránh khỏi] giữa một chủ cửa hàng sách độc lập và ông trùm ở vị trí lãnh đạo của Mega-Bookstore mà đó đe dọa đưa cô ấy ra khỏi công việc. Trong cuộc sống thực, họ có thể đứng bên nhau, nhưng trong một phòng trò chuyện ẩn danh, họ hòa thuận với nhau và sau đó là một số. Đi thuyền theo sự khả năng tuyệt đối của các nhân vật chính của nó, và các diễn viên thể hiện họ là một người giỏi nhất trong một màn trình diễn có căn cứ, vui vẻ và loại dẻo của Hanks đang trong dòng chảy đầy đủ mà bạn đã có các giao dịch thư trong dễ thương." Nếu điều đó khiến bạn ngứa ngáy, bạn sẽ bị trầy xước một chút, nhưng có một trái tim chân chính cho bộ phim này sẽ quay cuồng trong những người hoài nghi thậm chí còn được thừa nhận. Glynn Glynn

54. Hành vi phù hợp [2014]

Giám đốc: Desiree Akhavan Desiree Akhavan

Theo mặc định, là một thứ hai mươi là lộn xộn, cho dù đó là đối phó với các mối quan hệ đổ nát, công việc mà bạn quá thiếu kinh nghiệm cho hoặc những lời nói dối mà bạn nói để xoa dịu cha mẹ của bạn. Desiree Akhavan khám phá rằng trải nghiệm phổ quát về việc gỡ rối danh tính của chúng tôi trong hành vi phù hợp của chúng tôi. Shirin [Akhavan] là một người phụ nữ lưỡng tính bí mật mới ra khỏi cuộc chia tay và tận tâm để có được? Qua bạn gái cũ của cô. Nhưng Shirin, đã cố gắng hết sức để thúc đẩy mọi khía cạnh của cuộc sống của cô trở lại đúng hướng sụp đổ một cách lúng túng và đáng thất vọng ở mỗi lượt. Shirin có thể nói theo cách của mình vào một công việc và một cuộc hẹn hò, nhưng cô ấy có thể giữ được không? Hành vi phù hợp theo một hành trình của một người phụ nữ trong suốt cuộc đời nói với mọi người rằng cô ấy là một người trưởng thành cho đến khi cô ấy vô tình trở thành một. Thay vào đó, bộ phim Akhavan, đóng vai trò là một bình luận về dịch thuật, sự khác biệt giữa ngôn ngữ chúng ta sử dụng, những điều chúng ta thực sự muốn nói và làm thế nào tất cả bị xoắn. Câu chuyện kể với danh tính của Shirin, là một người Iran, một người phụ nữ, một thiên niên kỷ và một người lưỡng tính đôi khi vui nhộn, những lần khác khá sâu sắc. Tất cả 86 phút của bộ phim được dành để xem nhân vật Akhavan, cố gắng hết sức và không thành công để nói những gì cô ấy muốn. Nhưng khi trách nhiệm, một đêm đứng và bàn chải với người yêu cũ, Shirin bắt đầu nhận ra rằng mẹo thực sự để giao tiếp là dành thời gian để hiểu bản thân trước khi cố gắng truyền đạt điều đó với người khác. Hành vi phù hợp chắc chắn là một bộ phim hài, nhưng cũng là một cái nhìn chân thành về cách chúng ta học cách nói những gì chúng ta muốn và là chính chúng ta. Trắng

53. 13 Đi vào ngày 30 [2004]

Giám đốc: Gary Winick: Gary Winick

Những gì có thể dễ dàng bị loại bỏ như một Ripoff lớn không biết xấu hổ có thể còn tốt hơn cả Tom Hanks Classic. Jennifer Garner đang ở trong sự quyến rũ nhất của cô khi còn là một đứa trẻ 13 tuổi trong một cơ thể trưởng thành, và Judy Greer được đánh giá thấp trong vai trò phim hay nhất của cô là Frenemy hay nhất Garner. Kịch bản hoài cổ nhẹ nhàng có thể xứng đáng nhận được nhiều tín dụng nhất, mặc dù một bộ phim như thế này có thể bị hủy hoại bởi mức độ pho mát gây chết người, nhưng 13 diễn ra vào ngày 30 có số lượng chính xác của Schmaltz làm hài lòng đám đông. —LOYN MOORE

52. Bữa tiệc cưới [1993]

Giám đốc: Ang Lee Ang Lee

Bữa tiệc cưới, Ang Lee, bước vào một kiểu truyện tranh bóng chày, là lần đầu tiên anh kiểm tra cuộc sống của những người đồng tính. Wai-Tung Gao [Winston Chao] liên tục bị cha mẹ kết hôn, bây giờ anh ấy ở độ tuổi cuối thập niên 20, nhưng sự trớ trêu kịch tính sẽ có nó, anh ấy là một Manhattanite thành công sống với bạn trai của mình, Simon [Mitchell Lichtenstein, con trai của con trai của anh ấy Nghệ sĩ Roy], hai người căng thẳng sử dụng trí thông minh nhanh chóng của họ để đưa ra những lời bào chữa để ngăn chặn cuộc hôn nhân của Wai-Tung. Theo lệnh của Simon, như thể để có được cha mẹ lỗi thời của Wai-Tung, ngừng làm phiền họ, anh ta đề nghị Wai-Tung kết hôn với một trong những người thuê căn hộ của mình, lần lượt ghi bàn cho cô, Wei Wei [May Chin], một thẻ xanh. Cặp vợ chồng mời cha mẹ Wai-Tung, đến Hoa Kỳ, lên kế hoạch cho một đám cưới lớn và hỗn loạn xảy ra. Trong bữa tiệc cưới, đồng tính luyến ái hoặc xếp hàng là đủ để vượt qua truyền thống. Điều này nghe có vẻ rõ ràng mà không chỉ có ý nghĩa vì Wai-Tung, ngụ ý tình trạng trung lưu trên, mà vì các động lực chủng tộc phức tạp, cũng tồn tại trong phim. Quan hệ đối tác của Wai-Tung với một người đàn ông da trắng, không giống như cuộc hôn nhân giữa các chủng tộc trong bộ phim đầu tiên của Ang Lee, đẩy tay, dễ dàng đọc như một bước tiến vào một thế giới hiện đại của các mối quan hệ hiện đại, hoặc một mối đe dọa đối với một số ý tưởng về sự thuần khiết chủng tộc trong sự [một ý tưởng trong những người châu Á giàu có điên rồ]. Người di cư Đài Loan tại nơi làm việc, folks. —Cark Rozeman

51. Nhà thuyền [1958]

Giám đốc: Melville Shavelson Melville Shavelson

Theo nhiều cách, chiếc thuyền là một chút của Trivium, mặc dù nó không bao giờ không thỏa mãn khi xem Cary Grant hoặc Sophia Loren, như, bao giờ. Grant đóng vai một người cha góa vợ, người đã đưa những đứa con khá bồng bềnh và được giới thiệu để sống trên một chiếc thuyền nhà bị phá hủy, kết thúc với Sophia Loren làm quản gia của anh ta và yêu cô. Một chiếc xe ngôi sao lớn với một trái tim tử tế, Houseboat đã giành chiến thắng trong cuộc tấn công của tất cả mọi người như một động lực điện ảnh, đặc biệt là khi thực sự có một tính năng nổi bật của bộ phim này [có ý nghĩa vì nó thực sự bất thường về thời gian của nó]. Bộ phim này rất tập trung vào thế giới cảm xúc của những đứa trẻ, rõ ràng một cách rõ ràng và thông minh về những cảm xúc hỗn hợp mà những đứa trẻ có khi cha mẹ chúng trở thành đối tác lại. Yêu Sophia Loren thật dễ dàng. Chiến thắng trở lại trái tim của những đứa trẻ không bị ảnh hưởng của bạn? Điều đó khó khăn hơn, nhưng đáng để xem nếu không vì lý do nào khác ngoài việc thấy Grant mang nó bằng sự hoang mang điển hình của anh ta. Glynn Glynn

50. Slutless in Seattle [1993]

Giám đốc: Nora Ephron Nora Ephron

Không ngủ ở Seattle về cơ bản là một bức thư tình khổng lồ cho năm 1957, một mối quan hệ để nhớ từ nhà văn/đạo diễn Nora Ephron. Rita Wilson đưa ra một bản tóm tắt đầy nước mắt đáng nhớ của bộ phim, và Annie [Meg Ryan] xem nó trước khi viết thư cho Sam [Tom Hanks] mời anh ta gặp cô ấy ở đầu tòa nhà Empire State, cách Cary Grant và Deborah Kerr cố gắng Trong bộ phim của họ vào ngày lễ tình nhân. Khi cuối cùng họ gặp nhau trên boong quan sát, chủ đề từ một chuyện ngoại tình để nhớ những cơn thịnh nộ, đặt tâm trạng cho bất cứ ai có sự đánh giá cao cho những bản rom-com tốt. Cấmbonnie Stiernberg

49. Juno [2007]

Giám đốc: Jason Reitman Jason Reitman

Phần lớn đã được thực hiện về Diablo Cody-isms thấm vào kịch bản, nhưng trái tim của Juno là Eliot Page, và Juno đến với tình cảm của cô với người bạn tốt Paulie [Michael Cera]. Chắc chắn, việc mang thai cô ấy để nhận ra người đàn ông trong mơ của cô ấy là người khốn nạn trong quần short màu vàng, nhưng sau đó, các nhân vật trong Juno không được nhớ đến vì sự ngắn gọn của họ vì đã nhận được hiệu quả từ các điểm Đặc biệt là khi nói đến từ ngữ. Trang nặng nề xứng đáng với từng chút của đề cử Oscar đó. Medina Medina

48. Hoa hồng tím của Cairo [1985]

Giám đốc: Woody Allen Woody Allen

Woody Allen đã tuyên bố một số lần hoa hồng màu tím của Cairo là một trong những bộ phim yêu thích của anh ấy, anh ấy đã đạo diễn, và nó không có gì lạ khi đó là bộ phim đồng cảm và giàu trí tưởng tượng nhất của anh ấy cho đến nay, điều này nói rất nhiều về anh chàng. Cung cấp màn trình diễn hay nhất của cô ấy trong 13 bộ phim mà cô ấy làm với đạo diễn, Mia Farrow đóng vai một người phụ nữ cô đơn trốn thoát đến các bộ phim để thực hiện những tưởng tượng của mình thông qua các diễn viên yêu thích của cô ấy. Ngay cả khi Tom Baxter [một Jeff Daniels trẻ tuổi] bước ra khỏi màn hình và vào cuộc sống của cô ấy, cô ấy giữ cảm xúc và kỳ vọng của mình trong tầm kiểm soát: Tôi vừa gặp một người đàn ông mới tuyệt vời. Anh ấy hư cấu, nhưng bạn có thể có tất cả mọi thứ. Purple Rose được xây dựng một cách kỳ quái về phía một phát súng cuối cùng, thanh lịch, nhắc nhở chúng ta, kịch tính như nó có thể nghe, tại sao chúng ta đi xem phim ngay từ đầu. Medina Medina

47. Silver Linings Playbook [2012]

Director: David O. Russell

With leads as winning as Bradley Cooper and Jennifer Lawrence, aas well as David O. Russell’s signature mix of clever and sincere dialogue, the hook is set. Every single detail doesn’t gel—Chris Tucker’s role as Danny, Pat Jr’s escape-prone friend from the treatment facility, seems a bit extraneous—but it doesn’t need to. By the end of the dance competition finale [yeah, there’s that], the audience, actors and director are on exactly the same page in Russell’s playbook. —Michael Burgin

46. Enchanted [2007]

Director: Kevin Lima

Disney’s self-referential meta-comedy features a Princess [Giselle, played by Amy Adams] forced out of her 2D animated universe by an evil Queen on the morning of her [you know, literal] fairytale wedding…and into New York City, where she meets the ultimate romantic temptation, a divorce attorney [Patrick Dempsey]. Giselle’s Prince tries to find her; Dempsey’s Robert has trouble getting his kid to like Nancy [Idina Menzel], whom he intends to marry; minions from the animated world arrive [nobody minions quite like Timothy Spall]; a Shakespearean collision ensues; and then there’s a big ol’ Happily Ever After. Peppered with references to the Disney canon and featuring cameos by a whole bunch of voice actors from previous animated features [including Julie Andrews as the Narrator], the film is less about the romance between Adams and Dempsey than a send-up of the whole concept of fairytales: princes and princesses and happy endings and musical numbers which also parody their more earnest predecessors. Enchanted might be a parody, but it’s definitely not the cynical kind, and anyone who grew up on Disney movies [which is probably most of us] will find its layers of reference and self-send-up wonderfully on point. —Amy Glynn

45. There’s Something About Mary [1998]

Directors: Bobby Farrelly, Peter Farrelly

...and it’s not just hair gel. Cameron Diaz’s titular character is the object of affection for a wide range of guys, not all of whom are NFL quarterback Brett Favre. Not without reason: She combines a certain Audrey Hepburn winsomeness with a certain Ava Gardner crassness, plus a sensibility that is as ’90 as anything this side of Jennifer Aniston’s haircut in Friends Season 1. Throw in a splash of Ben Stiller cringe-theater, Chris Elliott creepypants-comedy and cameos by both Jonathan Richman and a certain football star, and you have a Farrelly Brothers classic—raunchy, ridiculous, and somehow guffaw-inducing even when you know better. It’s sort of like if Otto Preminger’s masterpiece Laura were set in 1990s Florida and made into a comedy by drunk frat boys. What’s not to love? —Amy Glynn

44. How to Marry a Millionaire [1953]

Director: Jean Negulesco

Recipe: Equal parts Marilyn Monroe, Betty Grable and Lauren Bacall as three unabashed gold-diggers. Add screwball plot, pioneering CinemaScope wide-screen production, great New York exteriors, then shake vigorously. If director Jean Negulesco stumbled a bit in his early use of the CinemaScope process, How to Marry a Millionaire packs enough star power, writing witty enough to withstand a pretty annoying premise, to potentially make you forget to notice. It might have been a disaster if it hadn’t been cast with such a striking human power chord, remaining 100% worth watching thanks to the pure sparkle and swagger of its three female leads. —Amy Glynn

43. Wall-E [2008]

Director: Andrew Stanton

Before you cry foul, let’s think about the plot of Wall-E for a second: lonely boy meets girl, falls in love, and chases girl to the ends of the earth—or, in this case, the universe. How is that not a romantic comedy? Nevermind they’re robots. Nevermind the lack of dialogue. Nevermind it’s animated. When Wall-E and Eve dance together in the sky amongst the stars, we might as well be watching the second coming of Fred Astaire and Ginger Rogers. —Jeremy Medina

42. A Room with a View [1985]

Director: James Ivory

The inclusion of James Ivory, Ismail Merchant and Ruth Prawer Jhabvala’s adaptation of E.M. Forster’s 1908 novel on this list may seem like a stretch at first. Sure, the film has romance to spare—two attractive young people kept initially apart by class; a dramatic, forbidden kiss in a field of barley; “exotic” foreign locales—but once you get past the Edwardian stateliness of it all [and partially in tandem with it], A Room with a View is pretty damn hilarious. A delightful comedy of manners simmers throughout thanks to Maggie Smith’s proto-Downton Dowager [she was a spry 49 or so at the time] and Julian Sands’ amusingly intense and sincere George, but the true scene stealer comes in the form of Daniel Day-Lewis’ coal-to-diamond clenched sphincter of a man, Cecil Vyse. [Try to take your eyes off him.] More than most films on this list, A Room with a View’s humor shines through with repeated viewings. Meanwhile, the trajectory of George and Lucy [Helena Bonham-Carter] ticks off all the steps and stages of the genre, leaving the viewer elated and satiated. [Just don’t look up Forster’s 1958 addendum, “A Room without a View” and its somewhat gloomy prognostication of the young couple’s future.] —Michael Burgin

41. The Prizefighter and the Lady [1933]

Director: W.S. Van Dyke

The light romantic comedy stylings of this film are livened up by the star appearances of several celebrity prizefighters of the period. Myrna Loy plays a fashionable nightclub singer and gangster’s moll toying with the heart of Max Baer, the real-life heavyweight champion. With the legendary Jack Dempsey as a referee and Baer’s real opponent Primo Carnera in the ring, it’s difficult not to play a game of “spot the celebrity” as you’re watching. In spite of the fact that at one point, Baer attempts to do some singing, this is a thoroughly entertaining, if patchy, old Hollywood movie. —Christina Newland

40. Sing Street [2016]

Director: John Carney

Sing Street spins art out of history, but you might mistake it for pop sensationalism at first glance. If so, you’re forgiven. In sharp contrast to John Carney’s breakout movie, 2007’s sterling adult musical Once, Sing Street aims to please crowds and overburden tear ducts. There’s a sugary surface buoyancy to the film that helps the darkness clouding beneath its exterior go down more easily. Here, look at the plot synopsis: A teenage boy living in Dublin’s inner city in 1985 moves to a new school, falls in love with a girl, and forms a band for the sole purpose of winning her over. If the period Carney uses as his storytelling backdrop doesn’t make Sing Street an ’80s movie, then the mechanics of its story certainly do. You may walk into the film expecting to be delighted and amused. The film won’t let you down in either regard, but it’ll rob you of your breath, too. —Andy Crump

39. Sleeping with Other People [2016]

Director: Leslye Headland

Up until its recent revival [thanks Netflix?], the romantic comedy has been crying out for an update. Instead of subverting it, rarely has a film embraced the genre and all its tropes quite like the third film from Leslye Headland does. With little more than 90 minutes of sexual tension building between two friends, Headland has managed to create a direct descendent of the films of Frank Capra, Billy Wilder, Rob Reiner and Nora Ephron—and make it just as uproariously funny as its forebears’ best works. Sleeping With Other People pushes at every boundary without ever feeling unnecessarily tawdry; it’s the Cards Against Humanity version of When Harry Met Sally. [There’s even an “I’ll have what she’s having” moment involving a bottle of tea.] Alison Brie could be our decade’s Meg Ryan, and Sudekis could be our Hanks—but there’s no doubt that Leslye Headland will keep making us laugh for years to come. —Josh Jackson

38. Ninotchka [1939]

Director: Ernst Lubitsch

Greta Garbo’s emotionless bureaucrat personifies the then-young Soviet machine in Ernst Lubitsch’s pre-war classic—at least until she learns to love both a man [Melvyn Douglas] and the freedom of the West while stationed in Paris. It can be a little surprising to see how early our conception of Russian Communism was fixed in popular culture—the jokes often revolve around Russians who can’t believe the mundane creature comforts of the West, which remained a fixture of Cold War anti-Russian comedy into the early 1990s. Still, Garbo is transfixing in her first comedy, backed by genuine romance in her flirtations with Douglas. —Garrett Martin

37. The Big Sick [2017]

Director: Michael Showalter

The Big Sick can sometimes be awfully conventional, but among its key assets is its radiant view of its characters. Based on the first year in the relationship of married screenwriters Kumail Nanjiani and Emily V. Gordon, this indie rom-com has a mildly risky structure and some trenchant observations about the culture clashes that go on in immigrant families living in America. But what cuts deepest is just how profoundly lovable these people are. That’s not the same as being cutesy: Rather, The Big Sick is defiantly generous, understanding that people are horribly flawed but also capable of immeasurable graciousness when the situation requires. So even when the film stumbles, these characters hold you up. Nanjiani plays a lightly fictionalized version of his younger self, a struggling Chicago stand-up who is having as much success in his career as he in his dating life. Born into a Pakistani family who moved to the United States when he was a boy, he’s a dutiful son, despite lying about being a practicing Muslim and politely deflecting the attempts of his parents [Anupam Kher, Zenobia Shroff] to set him up in an arranged marriage. That’s when he meets Emily [Zoe Kazan], an American grad student with whom he’s instantly smitten. She swears she doesn’t want a relationship, but soon they fall for one another—even though Kumail knows it can’t work out. If he told his parents about Emily, they’d disown him. That’s not hyperbole: Kumail’s brother Naveed [Adeel Akhtar] reminds him that other Pakistani-American families they know have turned their back on children who romanced people outside of their culture. Kumail has major misgivings about a way of life that’s far less progressive than the America where he was raised, but he can’t risk losing his parents’ love. Produced by Judd Apatow—who’s made a cottage industry out of mixing frank, R-rated comedy with dramatic, emotional moments—The Big Sick undergoes a tonal shift after Emily discovers that Kumail has kept their relationship a secret from his family. After she breaks up with him, Kumail learns through friends that she’s contracted a mysterious illness that progresses so rapidly that she has to be placed in a medically induced coma. Since her parents live in North Carolina, it falls on Kumail to call them, summoning Beth [Holly Hunter] and Terry [Ray Romano] to Chicago to decide what to do next for her. As directed by Michael Showalter [see also: They Came Together], Kumail’s story is littered with grace notes. It’s a film that’s observant about all the small ways that individuals learn how to make the best of bad situations—whether it’s a stalled comedy career, the pleasant badgering of overbearing parents, or the realization that you may have met the love of your life and blown it. But what’s most radical about The Big Sick is its optimistic insistence that a little niceness can make all the difference. —Tim Grierson

36. Adam sườn Rib [1949]

Giám đốc: George Cukor George Cukor

Rib của George Cukor là một đường cong của một thời điểm mà sự sai lầm không phải là một lỗi như một xã hội, đó có thể là lý do tại sao sự năng động giữa các luật sư đã kết hôn Adam Bonner [Spencer Tracy] và Amanda Bonner [Katharine Hepburn 'T có tên Eve] cảm thấy ngay lập tức cân bằng và vui nhộn không thật. Một cuộc chiến tranh của các giới tính của giới tính, trong đó mỗi bên đại diện cho hiện trạng cho giới tính tương ứng của mình, Rib của Adam vượt qua những cái bẫy của Mars-Vs-Vs ngu ngốc nhất bằng cách miêu tả Bonner của Tracy như một kẻ ngột ngạt quá Phụ nữ làm bất cứ điều gì về thực tế là một nhạc sĩ nổi tiếng Lothario [David Wayne] đang trở nên hùng mạnh gần gũi với anh ta, là Amanda Bonner, một người dễ bị xấu hổ. Cô ấy không, và không một lần Hepburn, hoàn toàn hoàn hảo, việc đưa ra bất kỳ ấn tượng nào rằng cô ấy sẽ yêu nó, rõ ràng là người thông minh nhất trong bất kỳ phòng nào và nhận thức đầy đủ về loại ảnh hưởng của cô ấy có ảnh hưởng gì đến người chồng gay gắt. Cốt truyện rất đơn giản: một người phụ nữ [Judy Holliday] bắn và làm tổn thương người chồng gian lận của mình [Tom Ewell] sau khi bắt anh ta trong hành động, vì vậy luật sư quận Adam phải đại diện cho công tố Sự bất lực của người phụ nữ khi nói đến ngoại tình, đảm nhận hàng phòng ngự. Thử nghiệm diễn ra như người ta có thể mong đợi, với sức hút của Hepburn thu hút sự chú ý của mọi cảnh, nhưng sự ngạc nhiên thực sự trong bộ phim của Cukor xuất hiện trong những khoảnh khắc cuối cùng của nó, khi cuộc hôn nhân đầy đá giữa các khách hàng tiềm năng của chúng tôi kết thúc trong một bit gần như hư vô trong đó Adam tiết lộ Anh ta có thể bị thao túng về mặt cảm xúc như anh ta mong đợi tất cả phụ nữ. Có thể là những người viết kịch bản Ruth Gordon và Garson Kanin, trò đùa hài hước nhất: Adam sườn Rib nói về việc đàn ông và phụ nữ chỉ bình đẳng như thế nào trong việc họ có thể khủng khiếp như thế nào với nhau. SINHDOM Sinacola

35. Đến Mỹ [1988]

Giám đốc: John Landis John Landis

Nếu bộ phim này bao gồm các cảnh Barbershop bên trong My-T-Sharp và không có gì khác, thì nó vẫn sẽ là một trong những bộ phim hài hay nhất mọi thời đại. Eddie Murphy và Arsenio Hall đã hợp tác với đạo diễn John Landis [Blues Brothers] và tạo ra một tác phẩm kinh điển. Là Hoàng tử Akeem từ đất nước hư cấu của Zamunda, Murphy đi đến Đại Hoa Kỳ để trốn tránh cuộc hôn nhân sắp đặt của mình và tìm thấy tình yêu đích thực [ở Queens, rõ ràng]. Akeem gặp phải tất cả những điều kỳ diệu của Mỹ da đen, nhưng sự thay đổi châm biếm là thiên tài, nhà truyền giáo da đen [thông qua Hall là Reverend Brown không thể so sánh được], bối cảnh câu lạc bộ, tiệm hông, văn hóa hip-hop và tâm hồn glo, tất cả đều ở đây. Các khách mời từ các diễn viên như Cuba Gooding Jr., Samuel L. Jackson, Louie Anderson và Murphy, các bạn diễn, các bạn diễn Don Ameche và Ralph Bellamy đưa trải nghiệm đến Mỹ đến một cấp độ hoàn toàn mới. Một bộ phim hài xuất sắc và một cống phẩm tuyệt vời cho thành phố New York, câu chuyện về một hoàng tử chỉ muốn được yêu thương là một điều không thể bỏ qua đối với tất cả mọi người, kể cả những người trong chúng ta, những người màveve đã nhìn thấy nó. Housshannon Houston

34. Một vấn đề của sự sống và cái chết [1947]

Giám đốc: Michael Powell, Emeric Pressburger Michael Powell, Emeric Pressburger

Michael Powell và Emeric Pressburger [Hồi The Archers,] có một khả năng độc đáo để đưa chủ đề sử thi và trích xuất câu chuyện đơn giản của con người ra khỏi nó. Bản chất vĩ đại của vũ trụ có thể không thể biết được đối với chúng ta, nhưng đó là khả năng của chúng ta về tình yêu và lòng trắc ẩn khiến sự tồn tại đầy xung đột, tương đối nhỏ này rất đáng giá. Sức mạnh cản trở sự lãng mạn hoàn toàn mới giữa một phi công không quân hoàng gia [David Niven] và một nhà điều hành đài phát thanh người Mỹ đáng yêu [Kim Hunter] trong melodrama siêu nhiên siêu phàm của Archer lấy. Bạn thấy đấy, phi công được cho là chết sau khi máy bay của anh ta bị bắn hạ, nhưng do một lỗi văn thư ở thế giới bên kia, anh ta sống sót và yêu người điều hành đài phát thanh. Khi một quan chức hay thay đổi từ thế giới khác [Marius Goring] cuối cùng đã đến Trái đất để thu thập anh ta, phi công thách thức quyết định, tuyên bố rằng anh ta có thể rời đi bây giờ vì sai lầm đã dẫn đến mối tình lãng mạn mới của anh ta. Bộ phim truyền hình phòng xử án sau đây trên thiên đàng xoắn bộ phim vào một chuyên luận về việc nó có phải là cá nhân hay liên kết văn hóa/quốc gia cá nhân hay không khi nói đến sức mạnh của tính cách. Được sản xuất trực tiếp sau Thế chiến II, bộ phim đặt ra những câu hỏi khó khăn nhưng cần thiết, và ai tốt hơn các cung thủ để cung cấp chúng thông qua một gói giải trí và ngoạn mục triệt để? Nếu bạn đánh giá cao những mô tả kỳ quặc về thế giới bên kia trong các bộ phim hài như bảo vệ cuộc sống của bạn và hành trình không có thật của Bill & Ted, bạn có tầm nhìn Archer Archer để cảm ơn vì điều đó. Một cầu thang theo nghĩa đen lên thiên đàng, các hiệu ứng quang học uốn cong thời gian và không gian, những bức tranh mờ trông giống như một tấm bìa Led Zeppelin đen trắng: Một vấn đề của sự sống và cái chết là một niềm vui tuyệt đối. CấmKtay Ege Kozak

33. Born Yesterday [1950]

Director: George Cukor

What happens when you combine George Cuckor’s unerring sense of unspooling revelation, Judy Holliday’s stratospheric intelligence and William Holden’s William Holden-ness? With all due respect to Reese Witherspoon, you get the best not-so-dumb dumb blonde ever. Holliday’s turn as mobster-moll Billie Dawn [a reprise of her Broadway role in the stage version of the film] earned her Best Actress awards from the Academy [she edged out Gloria Swanson for Sunset Boulevard, as well as Bette Davis and Anne Baxter, both nominated for All About Eve] and the First Golden Globe for Best Actress. Mobster [Broderick Crawford] finds the crassness and stupidity of his gal a little embarrassing [look who’s talking] so he hires a journalist [Holden] to tutor her and make her a little more presentable at business dinners. And boy, does it work. With a little education under her belt, Billie Dawn discovers she’s not as dumb as everyone’s always told her she was—in fact she wises up so much she outmaneuvers her crooked and abusive husband. There’s plenty to be said on the script’s social commentary on corruption, or about George Cuckor’s directorial chops, which were generally formidable, but the truth is, you’re likely you have to watch it multiple times in order to notice anything other than Holliday, who was pretty much a neutron bomb in a dress. In real life, Holliday had an IQ in the 170s—but man, she was brilliant at playing dumb. —Amy Glynn

32. She’s Gotta Have It [1986]

Director: Spike Lee

Spike Lee arrived as a fully formed talent with this small-budget, black-and-white debut, which wound up being one of the most important movies in the rise of independent films in the 1980s. Lee brought a voice and verisimilitude to the screen that hadn’t been seen before, with a movie that’s smart, funny and audacious. The central theme—that women can sleep around as much as men, and that they shouldn’t be judged or scorned for it—is still relevant 30 years later. In fact, it’s so relevant Lee adapted the movie into a Netflix series that premiered last year. —Garrett Martin

31. Four Weddings and a Funeral [1994]

Director: Mike Newell

The first of several Richard Curtis-penned rom-coms starring Hugh Grant, Four Weddings and a Funeral follows our favorite bumbling Englishman as he repeatedly runs into the love of his life at—you guessed it—four weddings and a funeral. While much of the movie is lighthearted and some of it borders on cheesy [see Andie MacDowell’s infamous “Is it still raining? I hadn’t noticed” line in its finale], its graver moments, like Fiona [Kristen Scott Thomas] dealing with unrequited feelings or the titular funeral, remind us that love may be goofy and complicated and wonderful, but finding that one true match is serious business. The Academy agreed, nominating the film for Best Picture in a stacked year that included Forrest Gump, Pulp Fiction and The Shawshank Redemption. —Bonnie Stiernberg

30. Clueless [1995]

Director: Amy Heckerling

The Beverly Hills reboot of Jane Austen’s classic Emma was a sleeper-smash in 1995—and much more importantly, gave the phrase “As if!” to pop culture. Alicia Silverstone is Cher, a pretty, vain, superficial LA teen who goes on a mission to turn ugly-ducking classmate Tai [Brittany Murphy] into a Superswan, only to find herself eclipsed and adrift. A soft-edged satire of nouveau-riche Angeleno culture and simultaneously of the teen rom-com genre, Clueless is neither the most subtle nor the most hard-hitting film of its era, but it’s surprisingly seductive, in large part thanks to Amy Heckerling’s scrupulously researched script, which captured a dialogue style that both represented and influenced teen-speak of the time. —Amy Glynn

29. Bridget Jones’s Diary [2001]

Director: Sharon Maguire

Diehards may have been initially miffed at her casting, but Renée Zellweger was crucial to the movie’s success, boundlessly charming as Bridget, the British singleton who falls for Hugh Grant’s Daniel Cleaver and [eventually] Colin Firth’s Mark Darcy. From her appallingly bad public speeches to lip-syncing sad F.M. songs in her pajamas, Zellweger refutes every crusty expectation anyone might have had. —Jeremy Medina

28. Knocked Up [2007]

Director: Judd Apatow

For its many schlubby white-man sins—and its wolf-in-dog’s-clothing conservatism—Judd Apatow’s Knocked Up performs the essential romantic-comedy service of focusing on, in drawn-out detail, the consequences of not taking responsibility for oneself in any relationship. Though Alison [Katherine Heigl], television “journalist” and career-minded modern woman, is mostly just an impetus for a typical 20-something dude [Seth Rogen] to learn that it’s important to read a book sometimes instead of going out and getting drunk—Heigl’s character satisfied, despite all of her ambition, with someone whose only demonstrable sense of action is to read said book instead of going out and getting drunk—the two still have a very surprisingly ample amount of chemistry together. Which may just be that particularly Apatowan aspect of romantic comedies at its epitome—namely, that we’re willing to overlook a lot of bad storytelling if we like the characters despite ourselves. —Dom Sinacola

27. The Goodbye Girl [1977]

Director: Herbert Ross

1977 gave us not only a post-modern take on the romantic comedy with Woody Allen’s Annie Hall but also this throwback to the “rivals become lovers” subgenre made from a snappy script by the great Neil Simon. Richard Dreyfuss gives one of his career best performances as a blustery wannabe actor who is thrown into an apartment with a single mother [Marsha Mason] and her young daughter [Quinn Cummings]. Their love affair seems inevitable, but watching them spar and argue and try to reach some level of understanding is half the fun. —Robert Ham

26. Punch-Drunk Love [2002]

Director: Paul Thomas Anderson

It may be hard to recall, but there was once a time when the world believed in Adam Sandler—and we have P.T. Anderson to thank for such a glimpse of hope. Compared to the scope of There Will Be Blood, or the melancholy of Boogie Nights, or the inexorable fascination at the heart of The Master, or the gut-tickling masochism of Phantom Thread, Punch-Drunk Love—a breath of fresh, Technicolor air after the weight of Magnolia—comes off like something of a lark for Anderson, setting the stage for the kind of incisive comic chops the director would later epitomize with Inherent Vice. But far from a bit of fluff or a reactionary stab at a larger audience, Punch-Drunk Love is what happens when a director with so much untapped potential just sort of throws shit at the wall to see what sticks. A simple love story between a squirmy milquetoast [Sandler] and the woman [Emily Watson] who yanks him from his stark blue shell, the film is part musical, part silent film and all surreal comedy. That this is Sandler’s best role is rarely debated; that this may be Jon Brion’s best soundtrack is something we can talk about later. That the rest of the film, which in any other director’s hands would be a total mess, feels so exquisitely felt is almost…magical. And that? That’s that, Mattress Man. —Dom Sinacola

25. Love & Basketball [2000]

Director: Gina Prince-Bythewood

It’s a particular triumph when a film succeeds in telling a story about true love that isn’t solely focused on the relationship between a man and a woman. Love & Basketball is a classic romantic comedy [though, with all the drama, you can forget how easily and how hard you laughed throughout], not just because of the electric connection between Monica [Sanaa Lathan] and Quincy [Omar Epps], but also because Monica’s true love for the sport of basketball is given as complicated a narrative as her relationship with Quincy. Writer and director Gina Prince-Bythewood weaves a powerful tale that also functions as a coming-of-age drama for two characters trying desperately to define themselves against the families that have defined them for so long. That Love & Basketball is also an incredibly funny portrait of the highs and lows of young love, with easily one of the greatest scores of all time [“You … made … a fool of me…”] makes it iconic. —Shannon M. Houston

24. The 40-Year-Old Virgin [2005]

Director: Judd Apatow

Judd Apatow has emerged as a major figurehead in the world of “adult” romantic comedies, due largely to his first directorial effort, The 40-Year-Old Virgin, setting the tone for goofy, improvised, , overlong, hilarious messes of movies, anchored by the easy charm of its principal leads. In this case, Steve Carell and Catherine Keener greet their no-nonsense romance with understated performances, strange given the high-concept premise and general lewdness and all-time great French toast scene. —Jeremy Medina

23. Harold and Maude [1971]

Director: Hal Ashby

The original Daily Variety review begins, “‘Harold and Maude’ has all the fun and gaiety of a burning orphanage.” History has been kinder. Though it may be dark, Harold and Maude is certainly a romantic comedy: Young Harold [Bud Cort] and 79-year-old Maude [Ruth Gordon] do find love, their courting wickedly funny as Harold finds increasingly more gruesome ways to scare off the suitors sent by his mother. Still, Hal Ashby’s masterpiece is unlike any other film of its ilk, before or after its 1971 release, and Gordon is brilliant as the manic pixie dream septuagenarian. Just don’t go in expecting a happily ever after. —Josh Jackson

22. L.A. Story [1991]

Director: Mick Jackson

Few would argue that Steve Martin doesn’t receive his due as a comedian. Nonetheless, among his filmography, L.A. Story does not always get the attention shown earlier efforts such as The Jerk or Planes, Trains and Automobiles or the somewhat blander fare that came in the 2000s. Depending on how one looks at it, that’s a shame, or perhaps just an opportunity to discover a hidden gem among Martin’s impressive oeuvre. In the hands of a lesser artist, L.A. Story could have easily just been another hit-or-miss collection of cultural clichés—sustained whimsy is not easy to pull off. Instead, Martin’s writing, Mick Jackson’s direction and a stellar cast present a beguiling love letter to the City of Angels and the people who live there, even as Martin’s Harris K. Telemacher and Victoria Tennant’s British journalist Sara McDowel gradually find a path to each other. [And if you’ve ever wondered how Sarah Jessica Parker became a star, consider this film Exhibit A.] —Michael Burgin

21. The Shop Around the Corner [1940]

Director: Ernst Lubitsch

If history has taught us anything, it’s that nothing makes for a better rom-com than featuring a couple who has spent the majority of the film actively hating each other finally realize that they are actually soulmates. That’s certainly the case with The Shop Around the Corner, legendary director Ernst Lubitsch’s 1940 comedy about two rival employees at a Budapest gift shop who—unbeknownst to them—have been carrying on a flirty correspondence via mail. This film marked the high point of Jimmy Stewart and Margaret Sullivan’s four collaborations together. What’s more, replace the mail correspondence with an email correspondence and replace Jimmy Stewart with Tom Hanks, our modern-day Jimmy Stewart, and you have the 1998 remake, You’ve Got Mail. —Mark Rozeman

20. Pretty Woman [1990]

Director: Garry Marshall

Sure, from a feminist perspective, the implication that the only way our favorite hooker with a heart of gold [Julia Roberts] can stop turning tricks and make something of herself is to find a wealthy businessman who needs a fake girlfriend [Richard Gere] is problematic to say the least. And yes, Pretty Woman is formulaic—it’s basically Cinderella with pimps instead of evil stepsisters and Jason Alexander as the Skeptical Best Friend—but the class issues it raises are what make it one for the ages. Vivian is bold, unwilling to pretend to be something she’s not, and when she’s wronged by bougie Rodeo Drive store employees, she makes sure they know it, dropping a memorable “BIG mistake. Big. Huge! I have to go shopping now” on them all while rocking an incredible floppy hat. Roberts turns in a career-making performance, bringing charm [along with that famous cackle] to a role that might’ve played as unsympathetic in different hands. —Bonnie Stiernberg

19. The Apartment [1960]

Director: Billy Wilder

Filmmaker Billy Wilder had an impressively diverse track record from 1944 to 1960, tackling an Oscar-winning drama about alcoholism [The Lost Weekend], two well-regarded films noir [Double Indemnity, Sunset Boulevard], a war drama [Stalag 17], two light-hearted rom-coms [Sabrina, Seven Year Itch] a gripping murder-mystery [Witness for the Prosecution] and perhaps the funniest American movie of all time [Some Like It Hot]. Yet, of all these golden credits, one Wilder’s most beloved and memorable achievements was 1960’s The Apartment. Jack Lemmon plays C.C. Baxter, an ambitious office worker who, desperate to climb the corporate ladder, allows his bosses to use his apartment to carry on discreet affairs with their mistresses. Things get complicated, however, when he discovers that his office crush, quirky elevator operator Fran Kubelik [Shirley MacLaine], is one of his bosses’ mistresses. While it actually gets quite bleak at times, The Apartment strikes a perfect balance between laugh-out-loud comedy and emotionally honest drama. Following the career highlight that was his drag-heavy performance in Some Like It Hot, Lemmon here proves that he can play the low-key, straight man with equal dexterity. Likewise, MacLaine’s charming portrayal as the damaged, yet lovable Kubelik would provide the model for rom-com objects of affection for years to come. —Mark Rozeman

18. Singin’ in the Rain [1952]

Directors: Gene Kelly, Stanley Donen

Though only modestly successful upon release, Singin’ in the Rain rose in critical esteem to become widely considered the best movie musical of all time. A comedic take on the difficult 1920s transition from silent film to “talkies,” the film stars Gene Kelly as a popular silent film star [and dancer, of course], and Jean Hagen as the vain and irritating costar his studio keeps pairing him with romantically. Perhaps the definitive MGM Technicolor musical, the story is adorable and the singing is terrific, but I’m not sure any of its many, many virtues can top the pure explosive vitality and joy that is Gene Kelly in motion. I defy you to watch this and not feel ridiculously happy. —Amy Glynn

17. Moonrise Kingdom [2012]

Director: Wes Anderson

Wes Anderson’s films can come off as chilly and detached, but Moonrise Kingdom exudes a warmth and innocence generated by the earnest adolescent romance at its core. The year is 1965, and the sleepy New England island of New Penzance is stirred to action when Khaki Scout Sam Shakusky [Jared Gilman] and local resident Suzy Bishop [Kara Hayward] run away together. Sam’s fellow Scouts dislike him, and his foster parents don’t want him back. But Sam is full of surprises: He’s a quite skilled outdoorsman, and when he reunites with the mod girl with whom he’s been exchanging letters for a year, he matter-of-factly hands her a bouquet of wildflowers and begins imparting survival tips. Likewise, Suzy is an unexpected rebel with a volatile streak that upsets the balance among her lawyer parents [Bill Murray and Frances McDormand] and three little brothers. Delightfully, Anderson and co-writer Roman Coppola avoid clichés at every opportunity. The forces that would typically work to tear Sam and Suzy apart instead rally behind them, perhaps infected by the conviction of their love, which never wavers, even in argument: “I love you, but you don’t know what you’re talking about.” Moonrise Kingdom is whimsical and, yes, precious, but only in the very best sense of the word. —Annlee Ellingson

16. Đèn thành phố [1931]

Giám đốc: Charles Chaplin Charles Chaplin

Trong những năm cuối đời, Charlie Chaplin được biết đến với việc đưa Pathos vào bộ phim hài của mình bất cứ khi nào anh có cơ hội. City Lights là bộ phim mà anh ta kiếm được từng chút một. Trong khi cấu trúc của nó giống với định dạng picaresque thông thường của Chaplin, nhưng có nhiều mục đích có chủ ý khi người đi lang thang cố gắng giúp đỡ một cô gái hoa nghèo, bị mù, được chơi một cách đáng yêu bởi Virginia Cherrill. Harry Myers cũng xứng đáng được nhắc đến cho màn trình diễn của mình với tư cách là triệu phú, người hào phóng khi anh ấy say rượu và có thể nhớ được những việc tốt của mình khi anh ấy tỉnh táo. Mathjeremy Mathews

15. Sabrina [1954]

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Trong khi tự hào về hai trong số những người đàn ông hàng đầu nổi tiếng nhất mọi thời đại ở Humphrey Bogart và William Holden, cũng như Billy Wilder [căn hộ, một số người thích nó là đạo diễn và Ernest Lehman [mùi ngọt ngào của thành công, câu chuyện về phía tây] Là một trong những tác giả của nó, nó hầu như mọi ounce về tình trạng chính đáng của nó là một tác phẩm kinh điển đối với Audrey Hepburn phát sáng. Hepburn đã là một ngôi sao, đã giành được một giải Oscar cho vai trò đột phá của cô vào năm 1953, Roman Roman Holiday và ở đây cô lại tỏa sáng một lần nữa. Thường được mô tả là một bộ phim hài lãng mạn, Sabrina có những cú đánh kịch tính hơn nhiều so với tiếng cười khúc khích, và Hepburn 25 tuổi hơn là tự mình chống lại các đối thủ nặng ký Holden và Bogart, đưa nguyên mẫu Cinderella lên cấp độ mới. Nếu bạn có thể bỏ qua khía cạnh tháng 5 tháng 12 của các cặp lãng mạn được cung cấp, tôi dám bạn không yêu cái nhìn chiến thắng này về sự lãng mạn. Ví dụ hoàn hảo về tiên đề cũ: Đôi khi những gì bạn muốn là ngay trước mặt bạn. Glynn Glynn

14. Đêm giao thừa [1941]

Giám đốc: Preston Sturges Preston Sturges

Một trong những bộ phim xác định của đạo diễn Preston Sturges The Lady Eve Centres on a Beautiful Con Woman [Barbara Stanwyck] quyết tâm bắt những tình cảm [đọc: Sự thừa kế] của một cậu bé giàu có ngây thơ [Henry Fonda] vừa mới đến từ một năm đến Amazon. Trong một bước ngoặt tốt đẹp từ công thức chiến đấu giới tính đặc trưng cho vô số mục trong danh sách này, Lady Eve tìm thấy vai trò giới truyền thống đã đảo ngược, với Jean Harrington của Stanwyck đóng vai trò là người chiếm ưu thế, hung hăng tình dục với Henry Fonda của Henry Pike phục vụ như là đối tượng thụ động của ham muốn. Với đủ danh tính bí mật và trò hề rộng lớn cho đối thủ chơi William Shakespeare, The Lady Eve là một tác phẩm kinh điển của người Mỹ lạnh như đá. —Cark Rozeman

13. Đưa em bé lên [1938]

Giám đốc: Howard Hawks Howard Hawks

Ví dụ về sách giáo khoa về một bộ phim hài bóng chày, đưa em bé tìm thấy nhà cổ sinh vật học nổi bật của Cary Grant, Tiến sĩ David Huxley đang vật lộn để giữ cuộc sống của mình với nhau khi người đại diện tán tỉnh của sự hỗn loạn là Kinda Hepburn, Susan Vance đâm vào trung đoàn của anh ta. Thêm vào các shenanigans liên quan đến một con báo con, một bộ xương brontosaurus đang sụp đổ và một số bẩm sinh tình dục trước MPAA đã được thực hiện một cách khéo léo, và bạn có xương của một rom-com thực hiện hoàn hảo, một ví dụ thực nghiệm cho tất cả những gì sắp xảy ra. —Cark Rozeman

12. Ánh nắng vĩnh cửu của tâm trí không tì vết [2004]

Giám đốc: Michel Gondry Michel Gondry

Tính năng đầu tay của Michel Gondry, bản chất con người, là một người đàn ông hay thay đổi, nhưng theo dõi của anh ta cho thấy một đạo diễn trưởng thành, kỷ luật với đội bóng vui tươi của anh ta còn nguyên vẹn. Ánh nắng vĩnh cửu của những kẻ buôn bán tâm trí không tì vết trong những câu chuyện về bàn tay đặc trưng của mình, phục vụ hai câu chuyện tình yêu cảm động và bi thảm: giữa Clementine tóc đỏ [Kate Winslet] và một Joel [Jim Carrey] cực kỳ buồn và một stan pining [Mark Ruffalo]. Tất cả các màn trình diễn của họ, bao gồm cả Gondry, trong bộ nhớ của bạn rất lâu sau khi các khoản tín dụng đã được thực hiện. CấmStephen Deusner

11. Rắc rối trong thiên đường [1932]

Giám đốc: Ernst Lubitsch Ernst Lubitsch

Kiệt tác của Lubitsch, về giai cấp, địa vị và sự quyến rũ tập trung vào hai tên trộm yêu trong khi giả trang thành giới quý tộc trên khắp châu Âu. Được thực hiện trước mã Hays, đó là một bộ phim gợi cảm táo bạo, với một khoản phí tình dục đối với phần lớn cuộc đối thoại và thực tế là mô tả thẳng thắn về các công việc lãng mạn '60s. Herbert Marshall và Miriam Hopkins chơi những kẻ gian cải tiến, những người cố gắng lừa đảo một góa phụ giàu có do Kay Francis thủ vai, với những biến chứng lãng mạn và tình dục phát sinh từ mối quan hệ ngày càng tăng của Francis và Marshall và sự hiện diện của những người cầu hôn khác của Francis. Nó là một bộ phim thông minh, quyến rũ, với một bầu không khí tuyệt đẹp và một kịch bản nhìn thấy thông qua sự ảm đạm và nhân tạo của hệ thống phân cấp xã hội. Nó cũng vẫn buồn cười cho đến ngày nay. CấmGarrett Martin

10. Ngày con chó con [1995]

Giám đốc: Harold Ramis Harold Ramis

Bill Murray, đạo diễn/đồng tác giả Harold Ramis và nhà biên kịch Daniel Rubin lấy một tiền đề hài kịch của Twilight Zone-esque, một người thời tiết tự cho mình bị mắc kẹt khi trải nghiệm ngày 2 tháng 2 một lần nữa và một lần nữa và tìm thấy sự tuyệt vời bất ngờ. Một bộ phim thông thường hơn sẽ có tình yêu giải quyết tình trạng khó khăn theo thời gian, nhưng thay vào đó, nó rơi vào tính cách truyền hình Phil [Murray] để trở thành phiên bản hay nhất của bản thân anh ta có thể để được ở với Rita [Andie McDowell]. Cho dù đó là một bộ phim hài Hollywood thách thức người Mỹ thuộc tầng lớp trung lưu tự rung chuyển từ torpor của họ, hay thiền về những ý tưởng hoàn hảo không thể đạt được của chúng tôi, mặt đất không chỉ khơi gợi tiếng cười, mà khiến khán giả cảm động sâu sắc hơn họ mong đợi Thậm chí truyền cảm hứng cho một số người hâm mộ ám ảnh, bao gồm một người đồng tính, cho đến ngày, số thập kỷ mà Murray đã bỏ ra vào ngày 2 tháng 2.

9. Một số thích nó nóng [1959]

Giám đốc: Billy Wilder Billy Wilder

Có phải một số người thích nó là một trong những bộ phim hay nhất của Marilyn Monroe, hay là một trong những phản đối nhất của cô ấy? Sugar Kane, một cách ngắn gọn, là nhân vật Marilyn đã vật lộn rất khó để tránh chơi cho phần lớn sự nghiệp của cô: một cô gái tóc vàng, một biểu tượng tình dục thuần khiết , cho dù trong câu chuyện hay không có. Cô ấy không có gì để làm việc với, vì phần lớn bộ phim, việc nâng vật nặng được dành cho Tony Curtis và Jack Lemmon thay thế. Xem bộ phim vào năm 2017, bạn có thể tự hỏi tại sao Billy Wilder lại lao vào đầu tư đường với bất kỳ mức độ đồng cảm nào, tại sao anh ta viết nhân vật như một đối tượng một chiều, một chiếc cúp cho Lemmon và Curtis để cạnh tranh. Bạn cũng có thể không tự hỏi ở tất cả. Một số người thích nó hoạt động nóng, ngay cả khi Marilyn có rất ít để làm việc khác ngoài tính cách và bạn diễn của cô ấy; Thật buồn cười, nó nhanh chóng trên đôi chân của nó, và nó bán trò đùa trung tâm của nó, không ai, tiết kiệm cho khán giả, có thể thấy rằng Curtis và Lemmon rõ ràng là những anh chàng kéo theo sự kéo hoàn hảo, xếp lớp đủ tự nhận thức về sự vô lý của chính nó Những trò đùa từ việc trở nên chua chát. Tiếng crump

8. Cô gái của anh ấy Thứ Sáu [1940]

Giám đốc: Howard Hawks Howard Hawks

Các hiệu ứng đặc biệt đã trở nên tinh vi đến mức nhiều người trong chúng ta có lẽ đã quên mất bao nhiêu sự kinh ngạc thuần túy mà bạn có thể gây ra với một câu chuyện tuyệt vời và một kịch bản không phải là một giây trong một giây. Bộ phim hài bóng chày có nhịp độ tuyệt vời, chóng mặt này của Howard Hawks có sự tham gia của Cary Grant và Rosalind Russell, và đưa chúng ta trở lại vào hai trong số những mối bận tâm về dấu ấn của Decade: bộ phim hài tái hôn của Hồi giáo và sự hấp dẫn và ám ảnh của thế giới báo chí. Giây phút Russell, Lindy Johnson rình rập vào văn phòng báo được điều hành bởi chồng cũ Walter Burns [Grant], bạn biết điều đó để nói với anh ấy rằng cô ấy đã tái hôn và rời khỏi báo chí để nuôi một gia đình, và bạn biết rằng, đó không phải là cách mà nó sẽ kết thúc. Không có bí ẩn cao ở đây. Điều đặt bạn vào mép ghế của bạn trong bộ phim này là cách bạn đến đó. Đạo diễn vui nhộn và được quay một cách chuyên nghiệp, cô gái thứ sáu của anh có được nhiều tác động hài hước của nó từ trò đùa cực kỳ thông minh và nhanh chóng của các nhân vật. Don Tiết thậm chí còn nghĩ về việc kiểm tra điện thoại của bạn trong khi bạn đang xem cái này. Trong thực tế, cố gắng chớp mắt càng ít càng tốt. Glynn Glynn

7. Amélie [2001]

Giám đốc: Jean-Pierre Jeunet Jean-Pierre Jeunet

Tinh tế và ngon miệng, Amélie là một người Pháp nhỏ bé đáng yêu. Với khuôn mặt của một thiên thần, trái tim của một đứa trẻ và kiểu tóc của một pixie parisia, Amélie Poulain [Audrey Tautou] quét sạch chúng tôi trong khi Tautou phóng mình vào ý thức của người Mỹ khi người phục vụ làm tốt Crush những bức ảnh và câu đố, che giấu danh tính của cô ấy để thực hiện cuộc chạm trán đầu tiên của họ và nụ hôn đầu tiên là khoảnh khắc lãng mạn nhất trong cuộc đời cô ấy. Những cuộc phiêu lưu tuyệt vời của cô ấy trong tên của lý tưởng hóa, thậm chí là điện ảnh, kết hợp với nhau trong các chuyến bay của chủ nghĩa hiện thực kỳ diệu, Jean-Pierre Jeunet giữ tình yêu vừa thực tế và thực tế kỳ diệu. —Nick Marino

6. Nó đã xảy ra một đêm [1934]

Giám đốc: Frank Capra: Frank Capra

Thành thật mà nói, không, thật lòng mà nói, không phải là người chết tiệt, vì sự chân dung của Clark Gable về người tin tức hoài nghi khó rượu Peter Warne, một người đàn ông thấy mình đang đi trên đường với cô gái giàu có Runaway Ellie Andrew [Claudette Colbert], vẫn còn Vai trò tốt nhất trong sự nghiệp của mình. Tương tự như vậy, Colbert là một kẻ đáng yêu như một kẻ bỏ trốn. Như đã từng xảy ra, hai nhân vật có ý kiến ​​cao, người có thể đứng lên nhau khi bắt đầu bộ phim, chắc chắn thấy cảm xúc của họ dịu lại khi họ đến đoạn cuối cùng của cuộc hành trình. Vào năm 1934, một đêm đã giành được năm giải thưởng Academy [Phim hay nhất, đạo diễn, diễn viên, nữ diễn viên và kịch bản], mặc dù, gần 80 năm và vô số copycats sau đó, thời gian đã làm loãng bộ phim độc đáo và hài hước. Tuy nhiên, ảnh hưởng của nó, và sự thú vị của nó, hiện ra lớn. —Cark Rozeman

5. Kỳ nghỉ La Mã [1953]

Giám đốc: William Wyler William Wyler

Roman Holiday là tiêu chuẩn vàng cho bộ phim hài lãng mạn Mỹ, và hoàn toàn có thể là một trong những bộ phim quyến rũ nhất từng được thực hiện. Cary Grant và Elizabeth Taylor đều từ chối vai trò chính, và cảm ơn Chúa họ đã làm, bởi vì thật khó để tưởng tượng William Wyler có thể đã nhận được viên ngọc này mà không có Audrey Hepburn hoàn toàn tinh tế [trong vai trò đầu tay của cô ấy] Buổi biểu diễn đã thúc đẩy em gái tôi viết thư cho Peck cầu xin anh ta đưa cô ấy đi vũ hội. Hepburn đóng vai Ann, một công chúa trẻ đã chán ngấy với sự nghiêm khắc của tour du lịch ngoại giao của cô để thoát khỏi đại sứ quán đất nước không xác định của cô tại Rome để khám phá thế giới. Peck là Joe Bradley, phóng viên cũ, người thấy cô đang ngủ trên băng ghế và đưa cô về nhà mà không nhận ra cô là ai. Một khi anh ấy làm, nó an toàn khi nói rằng những trò chơi khăm xảy ra. Nhân vật chính thứ ba trong bộ phim này là tất nhiên là thành phố Rome, người có sức mạnh tưởng tượng có thể dễ dàng áp đảo một cặp đôi kỳ quặc ít lôi cuốn hơn so với công chúa và người đàn ông báo chí. Kết thúc tuyệt đẹp và vui nhộn đáng yêu, Roman Holiday là một ví dụ điển hình cho sự khác biệt giữa ngọt ngào và hokey. Tôi chắc chắn có những nhà phê bình sẽ chọn bộ phim này vì nhẹ [nó được cho là], hoặc cho Hepburn, hành động quá mức [nó có được giải Oscar duy nhất trong sự nghiệp của cô ấy], hoặc có thể dự đoán được ?]-Tuy nhiên, nhịp độ, những khoảnh khắc lồng vào nhau của sự sâu sắc và hài kịch, và yếu tố bom đáng yêu của Peck và Hepburn sẽ khiến cho ngay cả những người hoài nghi cứng rắn nhất để tắt nó đi. Glynn Glynn

4. Annie Hall [1977]

Giám đốc: Woody Allen Woody Allen

Người chiến thắng hình ảnh tốt nhất duy nhất trong Woody Allen, Canon, Annie Hall dành thời gian để mô tả nhiều khoảnh khắc bất đồng xảy ra trong bất kỳ mối quan hệ nào, Happy and Sad, The Bittersweet và người đơn giản là cay đắng. Chiến đấu với bộ phim nào để xem, cười trong khi đuổi theo những con tôm hùm trong nhà bếp trong bộ phim Allen gói gọn sự tinh tế của tình yêu, cân bằng những đỉnh cao và thấp hơn cả sự đơn giản và kể chuyện táo bạo. Allen được biết đến nhiều ngày hôm nay là một người đàn ông dí dỏm và hài hước, nhưng trong bộ phim hài lãng mạn kỷ nguyên này, anh đóng vai một người đàn ông hoàn toàn phù hợp với Diane Keaton [trong màn trình diễn giành giải Oscar của cô]. Medina Medina

3. Khi Harry gặp Sally

Giám đốc: Rob Reiner Rob Reiner

Dễ dàng là bộ phim hài lãng mạn truyền thống được yêu thích nhất trong thập kỷ của nó, Câu chuyện về Harry [Billy Crystal], Sally [Meg Ryan] và hành trình 12 năm của họ để có một kịch bản hoàn hảo của Nora Ephron nuôi dưỡng và ăn hết Hóa học bất ngờ giữa các khách hàng tiềm năng của nó. .

2. Cô dâu công chúa [1987]

Giám đốc: Rob Reiner Rob Reiner

Dễ dàng là bộ phim hài lãng mạn truyền thống được yêu thích nhất trong thập kỷ của nó, Câu chuyện về Harry [Billy Crystal], Sally [Meg Ryan] và hành trình 12 năm của họ để có một kịch bản hoàn hảo của Nora Ephron nuôi dưỡng và ăn hết Hóa học bất ngờ giữa các khách hàng tiềm năng của nó. .

2. Cô dâu công chúa [1987]

Rất có thể là sự biến đổi được thực hiện hoàn hảo nhất của một cuốn sách yêu thích thành một bộ phim yêu thích trong lịch sử của môn thể thao này. Một câu chuyện ngụ ngôn thân thiện với gia đình với những màn trình diễn hoàn hảo của toàn bộ diễn viên từ nhân vật chính đến người chơi bit, cô dâu công chúa dễ dàng là bộ phim có thể trích dẫn không ngừng nhất ở bất cứ nơi nào bên này của Monty Python và Chén Thánh của họ. Sự năng động của Westley-Buttercup của sự tận tâm hoàn toàn được ban cho và kiếm được, bất kể trở ngại, là ở một mức độ lớn, hạt nhân platonic ở trung tâm của bản thân rom-com Vấn đề nó có thể tuyệt vời như thế nào? Mặc dù được các nhà phê bình coi là đủ nồng nhiệt, nhưng tình trạng của nó là Fable Comedic đảm bảo nó bị đánh giá thấp trong hầu hết các danh sách. Không thể tưởng tượng được? Than ôi, không. Nhưng không phải trong danh sách này. Giới thiệu Burgin George Cukor

1. Câu chuyện Philadelphia [1940]

Phim gì là câu chuyện tình yêu tuyệt vời nhất mọi thời đại?

Bộ phim tình yêu đẹp nhất là gì?

Bộ phim hay nhất để xem như một cặp vợ chồng là gì?

Tôi nên xem bộ phim nào trong khi âu yếm?